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SUMMARY:Arcana: Il Leone del Nuovo Orizzonte
DESCRIPTION:Un Dialogo tra Antico e Futuro: L’Arte Che Affascina e Interroga \nPasseggiando tra le millenarie mura del Castello della Porta – un borgo che vanta la Bandiera Arancione del Touring Club – i visitatori saranno catapultati in un mondo dove arte\, filosofia\, meccanica ed esoterismo si fondono armoniosamente. Le sculture di Andrea da Montefeltro sono molto più che semplici forme: sono complesse architetture scultoree\, capaci di evocare meccanismi arcaici o futuristici\, ingranaggi misteriosi e strutture organiche che sembrano giungere da un’epoca dimenticata o da un futuro ancora inesplorato. \nOgni pezzo è un enigma\, un “antico strumento celeste” con anelli e strutture elaborate che invitano alla contemplazione dei cicoli universali e del rapporto tra uomo e cosmo. L’opera di Andrea da Montefeltro è un dialogo continuo tra il visibile e l’invisibile\, tra la fisicità della pietra e la spiritualità dei suoi simboli. I visitatori scopriranno riferimenti affascinanti a storia dell’arte\, alchimia\, geometria sacra e una sorprendente estetica steampunk\, che crea un irresistibile ponte tra l’antico e il moderno.
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LOCATION:Castello Della Porta di Frontone\, Piazzale della Rocca\, Frontone\, Pesaro Urbino\, Italia
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SUMMARY:Experience 30×30 Expressions
DESCRIPTION:Experience 30×30 Expressions \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nSiamo lieti di annunciare l’inaugurazione della mostra collettiva “Experience 30×30 Expressions”\, un’originale esposizione dedicata all’arte contemporanea di piccolo formato 30×30. L’evento si terrà il 19 aprile 2025 alle ore 18:30 presso lo Spazio Espositivo di LineaDarte-Officina Creativa a cura di Carla Di Pardo\, Giovanna Donnarumma e Gennaro Ippolito. \n  \nQuesta iniziativa mira a valorizzare la creatività degli artisti operanti su piccoli formati sulla scia della “VentiPerVenti”\, mostra ricorrente del piccolo formato di Lineadarte da quasi vent’anni.  \nNonostante le dimensioni ristrette\, le opere esposte  oltrepassa i limiti  esprimendo una ricca varietà di emozioni\, stili e di tecniche\, mostrando che l’effetto di un’opera dipende dalla profondità del messaggio\, piuttosto che dalle sue dimensioni. \n  \n “L’arte è la forma più alta della speranza.”- Gerhard Richter \n  \nNel corso della serata\, avrà luogo la presentazione di un ricco e affascinante catalogo\, realizzato in occasione dell’esposizione. Questo volume è stato curato con dedizione da Gennaro Ippolito\, Giovanna Donnarumma e Carla Di Pardo\, che hanno scelto di includere tutte le cinquantadue opere in mostra e contributi significativi. A completare il catalogo\, troveremo un saggio critico del professor Rosario Pinto\, il quale offrirà uno sguardo approfondito e analitico sulle tematiche trattate nell’esposizione e sulle opere presentate. Questo evento rappresenta un’importante opportunità per esplorare le intersezioni tra arte e critica\, e per apprezzare il lavoro di artisti e curatori impegnati nel dialogo culturale contemporaneo. \nArtisti in mostra \nEttore Altieri – Emma Archer – Valerio Balzano – Nino Barone – Maria  Maddalena Bellorini Beate Bennewitz – Loretta Cappanera – Marisa Cesanelli – Giuseppe Colangelo – Mariagrazia Colasanto – Giuliano Cotellessa – Michele D’Aloisio – Carmen Del Russo – Antonio Di Campli – Carla Di Pardo – Franco Di Pede – Ergilia Di Teodoro – Antonio Di Zio – Giovanna Donnarumma Roberta Feoli De Lucia – Francesco Gallo – Mauro Nicola Macolino – Vincenzo Mascia – Beatrice Mastrodonato – Vittorio Miele –  Fabio Alessandro Mirri – Lucio Monaco Lello Muzio Achille Pace – Antonio Pallotta – Massimo Palumbo – Sara Pellegrini Pietro Pezzella – Maria Angela – Regoglioso Sabina Romanin – Sandro Saccocci –  Maria Angela Sebastiani – Franco Secone – Carla Sello – Lucia Spagnuolo – Salvatore Starace – Sandra Torquati – Giammario Tosi Ilia Tufano – Ivana Urso – Ivana Volpe \nSCHEDA RIASSUNTIVA \n \n\n  \nExperience Expressions 30×30 \nmostra collettiva \nNapoli – dal 19 aprile al 01 marzo 2025 \nLineadarte Officina Creativa \nVia S.Paolo ai tribunali\, 31 Napoli \norario: da lunedì a venerdì 17.00 -19:00 \n(possono variare\, verificare sempre via telefono) \nVernissage: sabato 19 aprile \n ore 18.30 \n  \nCarla Di Pardo – Giovanna Donnarumma\, Gennaro Ippolito \ngenere: arte contemporanea\, serata – evento\, collettiva \nCatalogo in mostra \ncon saggio critico di \nRosario Pinto \nPer informazioni \nTelefono: 3275849181/3342839785 \nEmail: lineadarte@gmail.com \nSito www.lineadarte-officinacreativa.org
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SUMMARY:CHE GUEVARA tú y todos – Un viaggio immersivo nella vita di una delle icone più leggendarie della storia moderna
DESCRIPTION:Il Museo Civico Archeologico di Bologna ospiterà\, dal 27 marzo al 30 giugno 2025\, la mostra CHE GUEVARA tú y todos\, un viaggio nella storia e nella vita di un uomo che ha segnato profondamente l’immaginario collettivo di intere generazioni\, divenendo l’icona stessa del rivoluzionario: Ernesto Guevara de la Serna\, universalmente conosciuto come Che Guevara. \nGli spazi del museo bolognese accoglieranno una significativa parte del vasto repertorio fotografico e documentaristico inedito dell’archivio del Centro de Estudios Che Guevara a L’Avana. La mostra offrirà al pubblico l’opportunità di esplorare\, grazie a strumenti digitali e interattivi\, i momenti cruciali della vita di Che Guevara\, permettendo di scoprire la sua umanità\, i suoi ideali e i suoi legami affettivi. Saranno contestualizzati gli eventi storici e geopolitici di un periodo cruciale\, dagli inizi degli anni ’50 alla fine degli anni ‘60 che ha profondamente influenzato più generazioni. \nLa mostra\, ideata e realizzata da SIMMETRICO Cultura\, è curata da Daniele Zambelli\, Flavio Andreini\, Camilo Guevara e María del Carmen Ariet Garcia\, con una colonna sonora originale composta da Andrea Guerra. È prodotta da Alma e dal Centro de Estudios Che Guevara\, il cui archivio è riconosciuto patrimonio di interesse “Memoria del Mondo” dall’UNESCO nel 2013\, in collaborazione con l’Università degli Studi di Milano\, l’Università IULM e il Settore Musei Civici | Museo Civico Archeologico Bologna\, con il patrocinio della Commissione Nazionale Italiana per l’UNESCO\, dell’Ambasciata di Cuba in Italia\, della Regione Emilia-Romagna e del Comune di Bologna. \nLa realizzazione del progetto ha visto la stretta collaborazione della moglie di Che Guevara\, Aleida March\, e del figlio Camilo Guevara\, scomparso nel 2022\, a cui l’intero progetto espositivo è dedicato. \nIl significato del titolo: tú y todos \nIl titolo della mostra\, tú y todos\, riprende un verso intenso e toccante di una poesia che Che Guevara scrisse alla moglie Aleida prima della sua partenza per la Bolivia\, dove fu catturato e assassinato il 9 ottobre 1967\, dopo un lungo interrogatorio. \nQuesto titolo sottolinea l’intento della mostra: restituire una dimensione intima e consapevole alla figura di Ernesto Che Guevara\, distaccandola dal mito del guerrigliero intransigente e senza paura\, costruito dai media dell’epoca\, sia a favore che contro a seconda dello schieramento politico di appartenenza. La mostra racconterà l’uomo\, il personaggio politico e il contesto storico in cui visse\, attraverso oltre 2.000 documenti inediti\, tra cui lettere\, appunti\, diari\, fotografie scattate da lui stesso\, immagini ufficiali e private\, scritti autografi e video dell’epoca. \nUn progetto per tutti \nCHE GUEVARA tú y todos si rivolge a un pubblico ampio e trasversale\, con l’obiettivo di raccontare una figura iconica e contemporanea come quella di Che Guevara. La mostra pone il visitatore al centro\, coinvolgendolo direttamente e rendendolo parte attiva dell’esperienza\, attraverso un approccio innovativo alla divulgazione\, il percorso mira a creare una connessione emotiva con i visitatori\, proponendo una riflessione su tematiche ancora attuali. La visita non sarà un percorso passivo\, ma un’esperienza vissuta attivamente\, in cui il pubblico si sentirà parte integrante del racconto. \nIl percorso espositivo \nIl percorso della mostra è strutturato in tre livelli narrativi\, ciascuno dei quali utilizza soluzioni multimediali specifiche e mirate\, di particolare efficacia comunicativa: \nContesto storico e geopolitico \nIl primo livello narrativo\, di stampo giornalistico\, introduce immediatamente il visitatore al quadro geopolitico dell’epoca\, ponendo le basi per comprendere il contesto in cui Che Guevara ha vissuto e agito. \nBiografia \nIl secondo livello\, di natura biografica\, presenta materiali d’archivio inediti che ripercorrono gli eventi pubblici e privati della vita di Che Guevara: dai suoi celebri discorsi ufficiali alle riflessioni sull’educazione\, la politica estera\, l’economia\, il significato della rivoluzione e la speranza nell’“Uomo Nuovo”. \nDimensione intima \nIl terzo livello\, più intimistico\, si sviluppa attraverso frammenti dei suoi scritti personali\, come diari e lettere ai familiari e agli amici\, fino alle registrazioni inedite delle poesie che Guevara compose per la moglie Aleida. Questo livello rivela i dubbi\, le contraddizioni e le riflessioni che caratterizzavano l’uomo dietro il mito. \nUna narrazione immersiva \nLa mostra si apre con una sfida simbolica per il visitatore: superare una “linea gialla”. Una parete a fasce mobili\, retroproiettata\, mostra immagini edulcorate degli anni ’50 – provenienti da Hollywood\, dalla moda e dalla pubblicità delle grandi imprese consumistiche – che all’avvicinarsi del pubblico si dissolvono\, rivelando un’altra realtà: quella della povertà\, delle malattie\, delle ingiustizie sociali e della mancanza di libertà\, con un semplice passo riviviamo lo sconcerto del giovane Ernesto di fronte alla sofferenza degli ultimi e degli emarginati nei suoi viaggi in America Latina prima di diventare “Il Che”. \nRientrando in Argentina\, Ernesto annota: “Il personaggio che ha scritto questi appunti è morto quando è tornato a posare i piedi sulla terra d’Argentina\, e colui che li riordina li ripulisce: “io”\, non sono io; perlomeno non si tratta dello stesso io interiore. Quel vagare senza meta per la nostra “Maiuscola America” mi ha cambiato più di quanto credessi”. (Ernesto Guevara in Notas de viaje. 1952) \nSuperata questa soglia\, il visitatore intraprende un viaggio nella vita di Ernesto Guevara\, divenuto “El Che”. Centinaia di pensieri\, diari e lettere permetteranno di esplorare in modo approfondito una delle personalità più complesse e influenti del XX secolo. \nLa narrazione si snoda lungo una linea temporale arricchita da immagini storiche\, filmati e registrazioni di discorsi\, dal 1959 – “Anno della Liberazione” di Cuba – fino al 1967\, l’anno della missione in Bolivia\, l’ultima avventura. \nTre installazioni speciali\, disseminate lungo il percorso\, permettono al pubblico di incontrare non solo il personaggio storico\, ma anche l’uomo\, con le sue riflessioni e le sue emozioni. \nUn finale stra-ordinario \nLa mostra si conclude con un’installazione multidimensionale\, realizzata dall’artista americano Michael Murphy\, pioniere della Perceptual Art. L’opera\, intitolata Che: ritratto di Ernesto Guevara\, è una ricostruzione tridimensionale del celebre ritratto del Che\, capace di trasformarsi nella sua altrettanto iconica firma. \nIl direttore artistico e curatore della mostra\, Daniele Zambelli\, racconta: \n“Dopo due anni di lavoro\, ciò che mi rimane di questo dialogo ideale con Ernesto Che Guevara è la scoperta di un uomo intenso\, che ha dedicato tutto sé stesso al servizio di un’idea ‘stramba’: un’umanità che ha come imperativo morale l’evoluzione verso una società più giusta. Un intellettuale che ha trasformato l’utopia dell’‘uomo nuovo’ in azione concreta\, lavorando per costruire una società orientata al bene comune\, una società che non dimentica gli ultimi. Un uomo che sentiva davvero\, sul proprio volto\, il bruciare dello schiaffo dato dal potere a una moltitudine di uomini e donne privati di speranza e dignità. \nDietro l’intellettuale e il rivoluzionario\, però\, ho scoperto anche la persona: fedele ai propri ideali\, certo\, ma anche attraversata da dubbi e incertezze. Le sue scelte\, talvolta compiute con piena partecipazione\, altre volte con sofferenza\, sono sempre state una risposta a un imperativo morale di giustizia sociale\, un impegno pagato sempre in prima persona. \nPossiamo non essere completamente d’accordo con le sue idee o con i metodi adottati\, ma resta per me profondo il rispetto per un uomo che non si è mai nascosto con ipocrisia dietro le parole\, ma ha dato forma alle sue convinzioni attraverso le azioni\, contribuendo a dare voce a chi non ne aveva. \nSpero che la mostra permetta al pubblico\, soprattutto ai più giovani\, di instaurare un proprio dialogo ideale con il personaggio e con quel periodo storico così cruciale. Comprendere meglio il passato è essenziale per interpretare il presente che oggi viviamo”. \nBiglietti acquistabili su: https://www.ticketone.it/artist/che-guevara-tu-y-todos/
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LOCATION:Via dell’Archiginnasio\, 2 – Bologna\, Via dell'Archiginnasio\, 2\, Bologna\, Bologna\, Italia
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SUMMARY:Ben Vautier
DESCRIPTION:Martedì 4 marzo alle ore 19.00 Lattuada Gallery inaugura la mostra personale di Ben Vautier\, artista francese recentemente scomparso\, che resterà aperta fino ad Aprile 2025 presso la sede di Via Senato 15\, Milano. \nArtista di spicco del movimento Fluxus\, Ben Vautier  (Napoli\, 1935 – Nizza\, 5 giugno 2024) ha sempre operato con l’intento di sfidare le convenzioni artistiche in modo provocatorio e giocoso. La sua ricerca mira a decostruire l’oggetto d’arte\, spogliandolo non solo della sua immagine ma anche delle convenzioni implicite che lo accompagnano. Il linguaggio scritto rappresenta un elemento cardine della sua poetica: frasi incisive\, spesso realizzate in calligrafia infantile su superfici monocrome\, sono divenute una delle espressioni più riconoscibili dell’arte contemporanea. \nLa mostra resterà aperta dal lunedì al venerdì\, dalle ore 11.00 alle 13.00  e dalle 15.00 alle 19.00.
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SUMMARY:PEACE AND LOVE\, Incontri mediterranei IX edizione
DESCRIPTION:PEACE AND LOVE\, Incontri mediterranei IX edizione MOSTRA ALIENISTA \nPrende il via dal 21 dicembre 2024 un altro grande evento promosso da La Casa degli Artisti di Gallipoli. Si tratta della ormai celebre mostra collettiva dal titolo PEACE AND LOVE\, IX edizione\, che raccoglie alcuni grandi nomi del panorama artistico-culturale contemporaneo. Direttore artistico dell’evento è l’artista salentino Giorgio De Cesario che risiede ed opera nella Casa degli Artisti dove ha sede la sua galleria permanente e dove\, insieme a sua moglie Maria Cristina Maritati\, è riuscito a realizzare una residenza d’artista che ospita gratuitamente eventi culturali d’ogni genere. Questa residenza è inoltre diventata\, nel corso degli anni\, il centro propulsore dell’Alienismo\, movimento di pensiero fondato e di continuo alimentato dallo stesso De Cesario. Simbolo e leit-motiv di questa mostra sarà il “Messaggero di Pace”\, soggetto dell’ultima opera di Giorgio De Cesario\, cioè un angelo preposto alla diffusione di pace e amore nel mondo\, come augura lo stesso titolo della mostra ed in considerazione degli attuali venti di guerra. \nL’artista ha realizzato quest’opera dietro invito del critico d’arte Daniele Crippa\, presidente del Museo del Parco di Portofino e fautore del progetto “La Iglesia de Los Angeles”. Tale progetto mira a popolare di angeli contemporanei la chiesa a loro dedicata nella città argentina di Salta e ha destato anche l’interesse di Papa Francesco\, nativo appunto della zona di Salta. L’opera di De Cesario sarà quindi riprodotta su una piastrella di cm.25X25che andrà poi a decorare le pareti della chiesa. \nOltre a quelle di Giorgio De Cesario\, la mostra ospita anche le ultime acquisizioni di Salvatore Pepe\, di Rolando Zucchini e di Vittorio Rancati. In esposizione anche tutte le opere letterarie di Amanda Gesualdi e Pasquale Cavalera e le foto dal mondo di Giuseppe Caridi\, tutti fedeli sostenitori dell’azione divulgativa de La Casa degli Artisti. \nDi seguito alcune notizie sugli artisti partecipanti. \nAmanda Gesualdi\, scrittrice e ricercatrice\, con all’attivo più di dieci pubblicazioni\, è anche direttrice editoriale della rivista “You See”. Si occupa di coaching\, psicologia\, psicosofia\, con particolare attenzione al mondo olistico ed alle più moderne tecniche di profilazione. Co-Fondatrice della University of Coaching\, è docente e formatrice in Scienze e Tecniche del Mental Coaching e creatrice del primo percorso di Laurea in Mental Coaching sia a livello nazionale che internazionale. \nPasquale Cavalera è uno scrittore salentino che ha deciso di porre fine alla sua carriera di ingegnere per dedicarsi con successo alla letteratura\, come dimostrano le sue ultime opere ”Sottomessi” (raccolta di poesie) e il romanzo “La mia famiglia a San Valentino”. Inoltre è fondatore dell’agenzia letteraria Storie di Libri\, in cui attualmente ricopre il ruolo di CEO ed editor. \nVittorio Rancati\, artista emergente del ferro e della lamiera\, manifesta sin da piccolo una grande passione per questi materiali e per le attrezzature meccaniche\, passione che è diventata la sua attività lavorativa quotidiana. Partecipa alla mostra con l’opera in ferro smaltato “Albero della vita: respiro”\, la quale rappresenta infatti il respiro della natura e il suo lavoro di continua rigenerazione della vita che ci circonda. \nSalvatore Pepe è uno dei maggiori esponenti del minimalismo italiano\, ha partecipato a varie mostre in tutto il mondo\, tra cui anche alla Biennale di Venezia\, riscuotendo un grande successo di pubblico e di critica. Molte sue opere sono già presenti nella Casa degli Artisti e precisamente nella Suite Mondrian dove l’artista ha una sua galleria permanente. Nella mostra sarà esposta una sua ultima acquisizione dal titolo “Linea del Fronte”\, esempio di pittura minimalista di grande impatto a livello visivo ed emozionale. \nRolando Zucchini\, artista umbro di grande versatilità\, è un matematico scivolato pian piano nel mondo dell’arte. Sperimenta vari supporti e varie tecniche\, ama la solitudine e gli stili di vita orientali come testimonia il suo vagabondare in Cina tra i monaci buddisti. La sua opera in esposizione ha il titolo ”ST tgK 37”\, un guizzo improvviso fissato sulla tela\, quasi a voler dare testimonianza dell’attimo fuggente. \nGiuseppe Caridi\, scrittore\, fotografo\, attivista climatico e divulgatore; viaggiatore.Ha visitato oltre 160 paesi nel mondo\, pubblicato due diari di viaggio e esposto i suoi scatti fotografici in Europa\, America\, Asia e Africa. Lavora come Travel Designer\, accompagnando gruppi di viaggiatori in itinerari naturalistici e culturali da lui appositamente predisposti. Figura tra i fondatori del progetto scientifico www.theclimateroute.org ed è presidente dell’Associazione Experience Your Time APS con sede in Gallipoli. E’ stato arbitro di calcio e Istruttore di Diritto Internazionale Umanitario della Croce Rossa Internazionale. \nLa Mostra sarà poi arricchita da alcuni eventi collaterali quali\, ad esempio\, la presentazione dell’opera prima della poetessa gallipolina Rita Corciulo dal titolo “Gocce d’Azzurro”\, (pubblicazione a cura di Storie di Libri di Pasquale Cavalera)\, che avrà luogo il 4 gennaio 2025 alle ore 18. \nTutta la manifestazione\, a cura delle Proff. Orsolina Fontò e Maria Cristina Maritati\, è realizzata inoltre con la collaborazione di CittadinanzAttiva\, assemblea di Gallipoli\, e del Circolo La Fenice. \nLa mostra si svolgerà dal 21 dicembre 2024\, con vernissage alle ore 18\, all’11 gennaio 2025. Sarà visitabile ogni giorno dalle ore 16 alle ore 20 con ingresso libero e gratuito. \nLA CASA DEGLI ARTISTI residenza d’artista via Lepanto\,1 GALLIPOLI (LE). \nTel. 0833 261865 – 3332720348 \nwww.giorgiodecesario.it \nwww.lacasadegliartisti.it
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SUMMARY:“Flemish Flair” di Camilla Di Bella Vecchi e Marco Gualdoni
DESCRIPTION:La città di Bologna è pronta ad accogliere la Galleria Leòn\, diretta da Leonardo Iuffrida: un innovativo spazio espositivo dedicato all’arte contemporanea. Situata in pieno centro\, la galleria si distingue per offrire ampia varietà nei generi e nei temi trattati\, prestando particolare attenzione alla fotografia e alle espressioni artistiche che usano il corpo come principale strumento di comunicazione. \nVenerdì 6 dicembre 2024 alle 18.30\, la Galleria Leòn aprirà ufficialmente le porte al pubblico\, invitando appassionati d’arte\, collezionisti\, addetti ai lavori e professionisti del settore a scoprire un’esperienza artistica unica nel suo genere. \n  \nLa galleria è a carattere commerciale ed è caratterizzata da due anime: una sezione che comprende un archivio fotografico composto da un’accurata selezione di scatti vernacolari (fotografie trouvè di autori anonimi) dall’Ottocento a oggi\, insieme a foto vintage di grandi autori americani di nudo maschile e cultura queer\, tra cui Bob Mizer (1922-1992) e Bruce of Los Angeles (1909-1974); e una seconda sezione dedicata a mostre temporanee\, con esposizioni di opere e artisti emergenti. \nIn occasione dell’apertura\, il fondatore Leonardo Iuffrida presenta la doppia personale “Flemish Flair” di Camilla Di Bella Vecchi e Marco Gualdoni\, due fotografi italiani il cui stile richiama alla memoria le atmosfere degli artisti fiamminghi. \nFlemish Flair offre al pubblico l’opportunità di immergersi in un tempo e uno spazio lontani\, in cui riecheggiano le atmosfere nordiche dei grandi pittori fiamminghi del Quattro-Cinquecento\, quando una nuova luce apriva lo sguardo ad orizzonti di speranza e progresso. Tra porzioni di corpi umani che emergono da sfondi notturni\, oggetti scintillanti e visioni arcane e sospese\, nelle opere di entrambi i fotografi la luce scivola sulla superficie di persone\, oggetti e tessuti\, offrendone una resa quasi tattile. È una luce potente che apre le porte ad un mondo ideale\, utopico e immaginifico\, che solo la fotografia può rendere credibile. Grazie a giochi di riflessi\, bagliori e accostamenti enigmatici\, l’osservatore – con la mente e lo sguardo – ha il potere di plasmare un mondo fatto di bellezza e mistero. \nCamilla Di Bella Vecchi si concentra sulla figura femminile e sulla grazia della gestualità delle mani. Realizza i suoi scatti quasi sempre attraverso l’utilizzo del suo stesso corpo\, richiamando frammenti\, momenti e scene che si ispirano a grandi capolavori della storia dell’arte. \nMarco Gualdoni si focalizza sulla figura maschile e sulla costruzione di dimensioni enigmatiche. Il corpo dell’uomo\, celebrato nel rispetto della visione classicista della bellezza\, si fonde con elementi floreali e scultorei\, venendo destrutturato fino a diventare un tutt’uno con l’architettura degli oggetti. \nLa mostra sarà visitabile fino al 15 febbraio 2025. \nIl pubblico\, inoltre\, avrà l’opportunità di ammirare un’ampia selezione di fotografie vernacolari: ritratti\, scatti di viaggi e di vita quotidiana\, realizzate da persone comuni. Fotografie originariamente destinate a un uso personale o familiare\, spesso dimenticate in album\, archivi e collezioni private. Immagini che non nascevano come opere d’arte ma che\, grazie alla loro bellezza\, meritano di essere celebrate come autentici capolavori. Questi scatti possiedono anche un elevato valore storico-documentale\, trasformandosi in veri e propri portali verso il passato\, attraverso i quali è possibile osservare mode\, stili\, usi e costumi di epoche lontane e recenti. L’osservatore ha la possibilità di ridare loro nuova vita attraverso la propria immaginazione\, conferendo nuova essenza a momenti che altrimenti sarebbero stati sommersi nell’oblio del tempo. E il collezionista diventa il nuovo custode di quel personale immaginario di cui la foto si fa finestra. \nCompletano il contesto espositivo le fotografie dei Maestri Bob Mizer e Bruce of Los Angeles\, due tra i più importanti rappresentanti della Physique Photography\, genere che si affermò tra l’inizio del XX secolo e gli anni ’60 del Novecento\, concentrandosi sull’esaltazione della muscolarità di corpi maschili atletici. \nBob Mizer è considerato uno dei pionieri di questa forma d’arte per aver unito esplicitamente nudità\, attività fisica ed erotismo\, e per aver proposto i suoi scatti ad un pubblico di massa costituito da solo uomini\, in tempi in cui l’omosessualità era osteggiata e la censura imperversava. É grazie a Physique Pictorial (1951-1990)\, considerata una delle prime riviste gay\, che il nudo maschile uscì da accademie e circoli ristretti\, per diventare oggetto non solo da studiare ed emulare\, ma anche da desiderare. Le sue fotografie con ragazzi della porta accanto\, dotati di una prorompente sensualità\, hanno guadagnato riconoscimenti internazionali\, passando nel 2013 anche per le prestigiose sale del Museo d’Orsay e del MOCA di Los Angeles”. \nBruce of Los Angeles diede un tocco patinato al genere della Physique Photography\, combinando sapientemente maestria tecnica con tocchi di glamour hollywoodiano. Sotto la sua lente\, cowboy e uomini nudi fotografati all’aperto sono diventati divinità dall’eterna bellezza. Le sue opere sono state esibite presso Wessel + O’Connor Fine Art nel New Jersey nel 2008 e alla Stephen Cohen Gallery di Los Angeles nel 2012. \nUn corner della Galleria sarà dedicato alla vendita di riviste indipendenti e pubblicazioni d’epoca da collezione. \nCAMILLA DI BELLA VECCHI: BIOGRAFIA \nCamilla Di Bella Vecchi (Bologna): fotografa. Laureata in illustrazione all’Istituto Europeo di Design (IED) di Torino\, si specializza in grafica e illustrazione. Tra il 2023 e il 2024\, le sue opere fotografiche sono state esposte in musei e spazi privati\, tra i quali il Castello Medievale di Montecchio Emilia\, il Museo degli Angeli di Messina e un antico mulino a Castel Bolognese. \nMARCO GUALDONI: BIOGRAFIA \nMarco Gualdoni (Milano): fotografo. Dopo essersi dedicato alla fotografia di paesaggio e di architettura\, rivolge il suo sguardo alla figura maschile\, cercando di trarne l’essenza e gli aspetti più vulnerabili. Le sue opere della serie Still Lifes Memories in mostra alla Galleria Leòn sono state pubblicate su BOYS! BOYS BOYS! – The Magazine\, vol. 7 gennaio 2024. \nLEONARDO IUFFRIDA – FONDATORE GALLERIA LEÒN: BIOGRAFIA \nLeonardo Iuffrida: storico dell’arte e autore de “Il nudo maschile nella fotografia e nella moda”\, edito da Odoya. Laureato al DAMS di Bologna\, ha studiato curatela presso la Fondazione Fotografia Modena (oggi Fondazione Modena Arti Visive) e Art & Business presso il Sotheby’s Institute of Art di Londra. I suoi saggi su arte e moda sono stati pubblicati da Skira\, Bononia University Press\, Silvana Editoriale e Brill Academic Publishers. Ha collaborato con GQ\, Exibart\, Artribune e Fondazione Pitti Discovery. Presso Senape Vivaio Urbano ha curato le mostre: “Matteo Piacenti – Nel giardino dei corpi svelati”\, “Roberto Dapoto – Pittura da Fotografia” e “Tom of Finland and the Golden of Physique Photography”.
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SUMMARY:OVERSIZE
DESCRIPTION:La nuova stagione espositiva di iKonica Art Gallery\, Milano\, riparte con la mostra “OVERSIZE” dedicata al grande formato\, con inaugurazione martedì 3 Settembre alle ore 18.30. \nNelle tre sale della galleria saranno presentate le opere di autori diversi tra loro che nella grande dimensione offrono sia uno sguardo d’insieme del loro lavoro\, sia la possibilità di analisi del dettaglio\, rendendo più esplicita la tecnica usata. Data la dimensione\, ogni artista presenterà una sola opera\, un pezzo unico che sarà rappresentativo del proprio stile. \nIl pubblico potrà apprezzare le diverse tecniche presenti\, dalla digital painting all’acrilico su tela\, dalla tecnica mista fino alla scultura\, e  l’appartenenza stilistica dei singoli autori\, chi più legato al mondo della figurazione\, chi all’informale materico\, chi ancora all’astrattismo geometrico. \nTra gli artisti in esposizione\, provenienti da diverse zone d’Italia oltre alla presenza di una pittrice messicana\, si potranno apprezzare le opere sia di coloro che hanno un percorso solido e una consolidata presenza sul mercato\, sia quelle degli artisti emergenti. \nLa sera dell’inaugurazione\, martedì 3 Settembre\, vedrà la presenza di molti di loro. Un’occasione unica per un incontro diretto con gli autori al fine di comprendere al meglio la loro poetica\, e un’occasione speciale per ammirare opere che vanno oltre le misure standard delle esposizioni\, tipiche in genere solo di contesti pubblici e museali. \nArtisti: \nAlex PRETI\, Barbara GROSSATO\, Elena RADOVIX\, Giacomo GENTILCORE & Gio MOCCHI\, Giuliana BORDIGNON\, Hania HASHIM\, Ilaria FRANZA\, Laura De La TORRE\, Piero CAMPANINI\, Svetlana KOMPEL\, Valeria PATRIZI.
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SUMMARY:Concrearsi
DESCRIPTION:P.za della Indipendenza\, 18\, 00039 Zagarolo (RM)\nPalazzo Rospigliosi\n1 settembre – 15 settembre 2024\nIngresso gratuito\nOrganizzata da: Agarte – Fucina delle Arti\nA cura di: Alessandro Giansanti\nCol patrocinio del: Comune di Zagarolo e Palazzo Rospigliosi \nLa rassegna “Concrearsi” si svolgerà all’interno dei locali dello storico Palazzo Rospigliosi di Zagarolo\, importante dimora storica del Lazio\, in un dialogo tra passato e presente fra le affrescate sale della location. La mostra collettiva col patrocinio del Comune di Zagarolo\, è un’esposizione di artisti contemporanei di scultura e pittura organizzata dalla Galleria d’Arte ed Associazione Culturale “Agarte – Fucina delle Arti” con sede in Frascati (Roma)\, e porta i testi del curatore Alessandro Giansanti. \nComunicato:\nDal tardo latino “concreare”: creare insieme\, cooperare alla creazione. La rassegna parte dalla ricerca comune e in costante divenire degli artisti emergenti contemporanei. La mostra collettiva d’arte indaga sugli studi pittorico/scultorei e sui percorsi intrapresi dalle avanguardie storiche e dall’arte moderna di tutto il ‘900 e su come le nuove generazioni di creativi odierni si relazionino con essi e li contestualizzino nel mondo contemporaneo e nelle necessità artistiche dell’oggi. “Concrearsi” guarda al futuro senza rinnegare le fondamenta del passato\, ponendo l’accento sull’importanza del gesto creativo presente\, creando dunque una linea temporale fluida e dinamica. \nL’esposizione apre il calendario eventi di settembre del Comune di Zagarolo esponendo i lavori di: Amomì\, Selene Bozzato\, Antonella Iris De Pascale\, Martina Di Russo\, Leonor Hochschild\, Fabio Pini e Matteo Tomaselli. La mostra con patrocinio del Comune di Zagarolo e del Palazzo Rospigliosi aprirà con vernissage domenica 1 settembre dalle ore 18 fino alle ore 20 e proseguirà tutti i giorni della settimana escluso i lunedì con chiusura domenica 15 settembre 2024 dalle ore 18 fino alle ore 20. \nLa rassegna sarà liberamente visitabile (Ingresso gratuito) nei seguenti orari: martedì\, mercoledì e giovedì 9-13 / 15-18\, venerdì\, sabato e domenica 10-13 / 15-19 (per qualsiasi informazione +39 351 740 5874 / agarte@agarte.it).
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SUMMARY:Enzo Pagano – Malinconia  della Materia
DESCRIPTION:Inaugura sabato  27  gennaio  2024 alle ore 18 presso Lineadarte Officina Creativa\, isola creativa laboratorio della libere arti\, via San Paolo\, 31 Napoli\, la mostra personale di Enzo Pagano \, dal titolo “Malinconia della Materia ” a cura di Gennaro Ippolito e Giovanna Donnarumma\, interverrà il professore Stefano Gallo “Università di Roma Tor Vergata”.\nEnzo Pagano\, nato a Napoli nel 1952\, incarna la vitalità e la profondità dell’arte contemporanea. Le sue opere esplorano la materia in tutta la sua complessità\, trasmettendo una malinconia dolce e profonda. La sua ricerca artistica abbraccia la temporalità\, la storia e la cultura umana\, evidenziando il valore intrinseco della materia stessa. Questa profonda connessione con la materia emerge sia nelle sue opere pittoriche sia nelle sculture\, che trasformano pietre comuni in straordinarie rappresentazioni di mitologia. La sua formazione umanistica e la specializzazione in Storia dell’Arte conferiscono alle sue opere una profondità che invita gli osservatori a riflettere sul significato intrinseco della materia e della storia umana in essa racchiusa. Enzo Pagano condivide la sua esperienza artistica a Napoli\, dove continua a creare e ad esplorare i confini dell’arte contemporanea. \nEnzo Pagano \nNato nel 1952 a Napoli\, dove vive e lavora.  \nDi formazione umanistica e specializzato in Storia dell’Arte\, ha insegnato Materie letterarie e\, a partire dal 1990\, Storia dell’Arte.  Vive e lavora in Vico S.Maria del Pozzo\, 40 – 80137 Napoli. Tel.081/446747\, cellulare 3495518112. Email: enzo-pagano@hotmail.it.  \nScheda riassuntiva \nEnzo Pagano Malinconia  della Materia \nmostra personale \nNapoli – dal 27 gennaio  al 15 febbraio 2024 \nLineadarte Officina Creativa \nVia S.Paolo ai tribunali\, 31 Napoli \norario: lunedì  10.30 / 12.20 | martedì e giovedì 17.00 -19:00 \n(possono variare\, verificare sempre via telefono) \nVernissage: sabato 27 gennaio ore 18.00 \ncuratori: Giovanna Donnarumma\, Gennaro Ippolito \nautori: Enzo Pagano \ngenere: arte contemporanea\, serata – evento\, personale \nPer informazioni \nTelefono: 3275849181 \nEmail: lineadarte@gmail.com \nSito Web:  http://www.lineadarte-officinacreativa.org \nCartella stampa – Enzo Pagano – Malinconia della Materia .27 gennaio ore 18 – presso Lineadarte Officina Creativa .via S.Paolo ai Tribunali 31 – Napoli
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SUMMARY:La gravità delle forze nascoste
DESCRIPTION:Alla Cappella dell’Incoronata\, una delle sedi del Museo Regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo\, dal 20 dicembre 2023 al 20 gennaio 2024 l’artista siciliano Sasha Vinci presenta per la prima volta “La gravità delle forze nascoste”\, un progetto inedito a cura di Serena Ribaudo dedicato interamente a Palermo\, al suo tessuto urbano e sociale. Vinci\, noto per le sue audaci sperimentazioni sulla contemporaneità\, crea opere che parlano con profondità alla realtà odierna\, affrontando le distanze\, le paure e le contraddizioni che caratterizzano il presente. Attraverso uno sguardo trasversale\, l’artista indaga sulle fratture di questo momento storico\, riconsiderando i rapporti tra la natura\, l’essere umano contemporaneo e il suo ambiente sociale\, con l’obiettivo di acquisire una nuova coscienza etica\, estetica e politica\, aprendo le porte a nuove prospettive di comprensione e di interazione con il mondo che ci circonda. \nCiò che distingue la ricerca artistica di Sasha Vinci è la continua sperimentazione di diversi linguaggi artistici\, utilizzando media come il disegno\, la scultura\, l’installazione\, la performance\, la fotografia e il suono. In questo progetto dedicato a Palermo\, questi mezzi espressivi convergono per creare un’opera d’arte totale e unica nel suo genere\, che coinvolgerà gli spettatori in una straordinaria esperienza multisensoriale. \nCome scrive la curatrice Serena Ribaudo: “Il lavoro di Vinci indaga con originalità\, pregnanza e sentimento poetico il tessuto urbano\, animico ed eterico della città di Palermo. La gravità delle forze nascoste è un omaggio al capoluogo siciliano\, ai suoi profili\, ai suoi cieli. Una dichiarazione d’amore ad una città\, il cui ductus ardente viene simbolicamente auscultato\, e decifrato\, nelle sue armonie e dissonanze per essere restituito ai cittadini in una nuova forma espressiva come dono straordinario”. \nL’artista afferra la gravità\, già presente nel titolo stesso della mostra\, come una delle forze fondamentali che condiziona corpi\, animali e oggetti inanimati. Vinci esplora questa forza onnipresente che regola i moti celesti\, unificando l’umanità in una condizione di inevitabile adesione. Anche l’essere umano\, pur con la sua presunzione di dominio sulle altre specie\, deve piegarsi a questa forza\, incapace di controllarla o imprigionarla. Vinci reintroduce diverse simbologie legate alla cosmologia\, alla visione platonica del mondo e alla simbologia musicale\, impiegando elementi tipici della tradizione siciliana e conferendo loro nuovi significati\, sia politici che sociali\, risonanti nel tempo presente. La gravità diventa così una metafora potente che permea non solo l’opera di Vinci ma anche le vite di tutti noi. \nAd arricchire la mostra sarà l’opera site-specific “NON SI DISEGNA IL CIELO / Il Canto di Palermo”. Quest’opera è parte della serie in continua evoluzione “NON SI DISEGNA IL CIELO“\, avviata dall’artista nel 2015 a Volterra in Toscana. Attraverso questo progetto\, Vinci crea opere sinestetiche e multisensoriali\, traducendo lo skyline e le costellazioni di un luogo in armonie musicali\, dando voce alla natura e al paesaggio. \nAttraverso un intreccio sapiente di opere\, Vinci crea una continuità tra passato e presente\, tra racconto sacro\, mitologico e azione civile\, conferendo un significato e un’importanza straordinaria per l’essere umano e il cittadino contemporaneo. L’obiettivo della ricerca artistica di Sasha Vinci è quello di creare una visione che va al di là dell’effimero e abbraccia l’essenza stessa dell’esistenza. \n“La Gravità delle Forze Nascoste” rivela così nuove interazioni tra i corpi\, nuovi rapporti che sorgono da noi stessi e che illuminano la vita nelle sue incognite più profonde\, lasciando spazio a molteplici possibilità. La gravità è un assioma inconfutabile\, a cui nessuno può sottrarsi. Tuttavia\, come immersi in un vortice cieco\, risorgiamo per manifestarci con una nuova forma\, una forma multinaturale. Questa mostra ci invita a guardare oltre la superficie delle cose\, a scavare più a fondo nelle fratture del presente.
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SUMMARY:Gabriele Maquignaz. Big Bang | Lattuada Gallery
DESCRIPTION:Dal 1° dicembre al 15 gennaio 2023 Lattuada Gallery ospita “Big Bang”\, la prima mostra personale di Gabriele Maquignaz a Milano. La mostra\, curata da Guido Folco\, presidente del Museo MIIT di Torino\, vede come evento nodale la performance dell’artista\, che si svolgerà durante la serata inaugurale giovedì 1° dicembre alle ore 18.30.  \nIl progetto espositivo in mostra è volto a sviluppare una visione di insi­­eme del lavoro di Gabriele Maquignaz attraverso il corpus di opere più recente\, le Porte dell’Aldilà e i Big Bang\, cicli caratterizzati da due linguaggi espressivi differenti ma che si richiamano a vicenda. Partendo da una forte ispirazione\, in cui si avverte l’influenza di Fontana\, Burri e Richter\, l’artista valdostano concepisce l’atto creativo come un gesto di apertura di una porta verso il mondo “al di là”. \nIl lavoro di Gabriele Maquignaz cerca di superare al contempo la dimensione spaziale e quella temporale\, aprendo\, nelle sue opere\, dei varchi attraverso cui far passare lo spettatore. Ed è questa sacralità del gesto artistico\, unita alla spinta concettuale\, a rendere così peculiare l’opera di Maquignaz\, tesa verso l’infinito come poteva esserlo\, in parte\, quella di Fontana. Il capitolo successivo alla Porta dell’Aldilà risale fino alla più assoluta profondità del cosmo\, all’origine di tutte le cose\, il Big Bang. E lo fa grazie ad uno strumento tanto originale quanto contraddittorio sul piano artistico perché associato alla morte: il fucile. Tramite un’arma\, infatti\, Maquignaz ricrea la vita e la bellezza trasponendo la sua potenza sulla tela\, in un’oggetto eternato in un’opera d’arte. Lo sparo\, da atto violento\, nocivo e letale\, diviene in Maquignaz il gesto creativo per eccellenza e la tela – perforata\, ferita\, satura di colore – si trasforma in un passaggio per raggiungere l’eternità dell’universo. \nDurante l’inaugurazione\, oltre alla performance dell’artista\, verrà presentato “Big Bang”\, il catalogo di opere inedite dell’artista che rappresenta il naturale sviluppo editoriale de “La Porta dell’Aldilà” edito da Skira nel 2018.
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SUMMARY:“ALLA RICERCA DEL BELLO: trent’anni di Martenot a Roma”. Arte e pedagogia in mostra nel Museo dell’Arte classica della Sapienza
DESCRIPTION:Per celebrare il trentennale dell’Atelier Martenot a Roma\, il Museo dell’Arte Classica nella Facoltà di Lettere della Sapienza\, ospiterà una grande esposizione delle opere degli allievi che hanno seguito i corsi dell’École d’Art Martenot di Loris Liberatori\, il primo ed unico insegnante nella Capitale autorizzato ad impiegare il Metodo sviluppato dalla psicopedagoga francese Ginette Martenot negli anni ’30. \nLa mostra\, visitabile dal 9 novembre al 22 dicembre\, dalle 08.00 alle 20.00\, intitolata “ALLA RICERCA DEL BELLO” sarà un’opportunità unica per immergersi nel mondo innovativo della psicopedagogia Martenot\, una didattica dell’arte che educa lo sguardo a ricercare la bellezza fuori e dentro la persona. Oltre 100 opere\, create dagli allievi di Loris Liberatori\, saranno presentate al pubblico\, offrendo una panoramica delle capacità creative che il Metodo Martenot ha ispirato in una nuova generazione di artisti. I visitatori potranno ammirare una varietà di stili e tecniche\, testimonianza della versatilità e della potenza espressiva di questo metodo\, in dialogo con gli oltre 1200 calchi in gesso dei capolavori della scultura greca e romana ospitati dalla Gipsoteca della Sapienza\, uno straordinario “Museo dei Musei” che raccoglie copie d’epoca di capolavori esposti nei maggiori musei del mondo. Inoltre il pubblico avrà modo di ammirare i lavori realizzati in base alla progressione proposta dal metodo dell’École d’Art Martenot in una sezione didattica appositamente studiata per le sale del Museo insieme ai video e a pannelli didascalici e illustrativi. \nIl metodo Martenot: educare con l’arte \nNato dalla genialità di Ginette Martenot (1902-1996)\, virtuosa musicista e pedagoga visionaria\, il Metodo Martenot propone una formazione che va oltre l’arte in sé\, educando lo sguardo e il pensiero alla comprensione della bellezza che ci circonda. Basato sul principio della “liberazione del gesto“\, il Metodo Martenot non cerca solo il risultato artistico immediato\, ma guida l’individuo in un percorso profondo di crescita verso l’arte\, partendo dal concetto che tutti abbiamo delle capacità artistiche\, che purtroppo il più delle volte sono nascoste\, assopite dentro di noi. \n“La liberazione del gesto parte sempre da uno stato d’animo. Anche per una semplice curva\, l’allievo dovrà porsi il problema di come sarà questa curva: sarà allegra\, arrabbiata\, malinconica? Poi questa curva potrebbe diventare un essere umano\, un animale o un albero\, non lo sappiamo. Il principio ispiratore parte sempre da un’emozione. Ogni segno è la conclusione di uno stato d’animo.” – così afferma Loris Liberatori\, direttore dell’École d’Art Martenot di Roma. \nQuesto metodo ha rivoluzionato l’insegnamento dell’arte\, aprendo strade inesplorate nella formazione di giovani e adulti alla scoperta della propria creatività. Nel Metodo Martenot\, l’allievo è al centro dell’esperienza educativa e in ogni lezione scopre le proprie capacità. Ogni opera creata è un’espressione unica e personale\, riflettendo le peculiarità e l’energia di chi l’ha realizzata. A differenza dell’approccio tradizionale\, che spesso enfatizza la riproduzione di opere esistenti\, il Metodo Martenot guida l’individuo in un percorso di crescita personale attraverso l’arte. Il risultato artistico diviene così una naturale conseguenza di questa evoluzione della psiche. Ogni opera diviene un insieme di movimento e colore\, un’autentica espressione dell’individuo che l’ha realizzata. \nLa mostra al Museo dell’Arte classica della Sapienza Università di Roma \nL’idea di celebrare questo trentesimo anniversario attraverso una mostra alla Gipsoteca della Sapienza è un omaggio al legame profondo tra l’arte classica ispirata dalla ricerca della perfezione estetica e la pedagogia Martenot che vuole valorizzare la bellezza dell’anima. Nella Gipsoteca\, che conserva i gessi d’epoca delle massime sculture classiche esposte nei musei di tutto il mondo\, le opere in mostra saranno infatti il risultato di una reinterpretazione di questi capolavori del passato eseguite dagli allievi dei corsi superiori Martenot. \nL’allestimento\, rispettoso dello spazio esistente\, permetterà ai visitatori di scoprire aspetti innovativi nello studio e nell’analisi delle opere d’arte\, nonché di comprendere la ricchezza del Metodo Martenot. Le opere create dagli artisti dell’Atelier Martenot racconteranno una storia unica\, esprimendo la loro individualità attraverso una varietà di forme artistiche\, tecniche e media. \nL’Ecole d’Art Martenot di Loris Liberatori \nCon quasi 200 Centri Martenot in Europa\, tra cui Francia\, Svizzera\, Belgio\, Spagna e in Italia\, il Metodo Martenot ha lasciato un’impronta indelebile nel mondo dell’arte e della pedagogia. A Roma è L’Ecole d’Art Martenot diretta da Loris Liberatori il primo e unico centro autorizzato che applica nella Capitale il metodo elaborato dalla psicopedagoga francese. Presente nella zona di Viale Cortina d’Ampezzo (Roma Nord) da trent’anni\, ha una vasta esperienza in corsi di disegno\, pittura e scultura per adulti e bambini. I corsi Martenot sono riservati a piccoli gruppi (da un minimo di tre persone ad un massimo di cinque) con lezioni settimanali di circa un’ora. Il percorso formativo prevede sia una parte teorica dedicata alla storia dell’arte strettamente legata all’attività pratica con tutte le tecniche. Parallelamente Liberatori promuove stage su temi specifici di uno o due giorni all’aperto nel suo studio di Vignanello (Viterbo). \nLoris Liberatori\, Direttore dell’École d’Art Martenot di Roma e Segretario dell’Associazione Martenot Italia\, ha guidato con passione e dedizione la diffusione di questo straordinario Metodo in Italia insieme alla sua crescita personale come artista conosciuto in Italia e all’estero. Nato a La Spezia nel 1958\, Liberatori ha iniziato a dipingere giovanissimo\, agli inizi degli anni ‘70\, fin da allora con numerosi riconoscimenti ed apprezzamenti da parte della critica. Liberatori si riconosce nell’area del Nuovo Figuratismo; i suoi riferimenti: dall’astrattismo storico di Afro e Burri\, alla ricerca sul colore e la spiritualità del maestro franco cinese Zao Wou-Ki. Una carriera ininterrotta sempre in campo artistico\, studi al San Matteo di Pisa\, facoltà di storia dell’arte\, e una specializzazione post universitaria nell’insegnamento psicopedagogico dell’Ecole d’art Martenot di Parigi. Ha realizzato numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero\, tra le quali si ricordano Water of life (2016) presso gli Istituti Italiani di Cultura di Sidney e Melbourne e all’Ambasciata d’Italia a Canberra e la 54ª Biennale di Venezia\, Padiglione Italia – Torino a cura di Vittorio Sgarbi (2011). Le sue opere sono esposte in importanti gallerie in Italia e all’estero e nelle collezioni permanenti della Farnesina e della Banca d’Italia. \nMuseo dell’Arte Classica – Polo Museale\, Sapienza Università di Roma \nIl Museo\, attualmente diretto dal prof. Giorgio Piras\, Direttore del Dipartimento di Scienze dell’Antichità\, con la curatrice dott.ssa Claudia Carlucci\, possiede una collezione di oltre 1200 calchi in gesso suddivisi in 56 sale\, che riproducono in massima parte sculture greche esistenti in musei e collezioni di ogni parte del mondo; l’esposizione in ordine cronologico consente di illustrare concretamente ai visitatori lo svolgimento storico della scultura greca. Tra le opere ospitate dalla Gipsoteca: una collezione di impronte di gemme eseguite da Tommaso Cades tra il 1829 e il 1834; il calco del grande rilievo della Porta dei Leoni di Micene; il calco dell’Atena di Velletri; la ricostruzione dell’Atena fidiaca “tipo Medici”; la Demetra della Sala Rotonda dei Musei Vaticani; alcuni calchi delle sculture del Partenone; i calchi dell’altare di Pergamo e molti altri.
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SUMMARY:Maison laviniaturra presenta la mostra di Sergia Avveduti “Svolgere\, Riavvolgere”
DESCRIPTION:Maison laviniaturra\, rinomato atelier di moda della fashion designer bolognese Lavinia Turra\, è lieta di ospitare la mostra “Svolgere\, Riavvolgere” dell’artista Sergia Avveduti\, che inaugurerà giovedì 12 ottobre 2023 alle ore 18 e proseguirà fino al 20 novembre 2023. Curata da Marinella Paderni\, questa straordinaria esposizione segna l’inizio della stagione autunnale di Maison laviniaturra\, uno spazio espositivo unico\, situato in una maestosa villa degli anni Cinquanta che si affaccia sui Giardini Margherita. Ancora una volta l’arte\, nelle sue diverse forme\, e la moda\, come espressione di alto artigianato\, si fondono per dare vita ad un progetto espositivo ricco di suggestioni e fascinazioni. \n  \nLa mostra “Svolgere\, Riavvolgere” di Sergia Avveduti esplora la sostanza dell’infrasottile\, una qualità intrinseca del mondo che spesso sfugge alla razionalità\, ma che può essere immaginata grazie alla capacità umana di concepire l’indefinibile. Questa mostra\, concepita dall’artista per lo spazio della Maison laviniaturra\, crea un dialogo tra immaginari attigui dell’arte\, della scienza e della tecnica attraverso un’installazione di dipinti inediti\, sculture e fotografie. \n  \nCome scrive la curatrice Marinella Paderni: “L’infrasottile è una qualità intrinseca del mondo a tratti incerta\, inafferabile\, più intuita che razionalizzata grazie alla capacità umana di immaginare l’indefinibile\, come la scienza stessa ci ha dimostrato nell’ultimo secolo. Un infrasottile di eco duchampiana\, riattualizzato da Sergia Avveduti nell’esplorazione di possibili intrecci tra l’immaginario artistico e quello scientifico\, che sonda insieme i territori dell’organico e dell’utopico.” \n  \nIl titolo stesso\, con il suo invito a “Svolgere” e “Riavvolgere“\, suggerisce un procedere che anima la tendenza umana a ricercare l’impossibile\, a immaginarlo prima ancora di dimostrarlo. Come un filo che crea una trama sempre diversa\, aggiungendo una nuova sfumatura ad ogni passo compiuto. \n  \nLa natura di questo procedere è ben riassunta nelle parole dell’artista: “È un modo di operare che mi appartiene\, ritornare sui propri passi. Si parte da un raggiungimento già ottenuto per poi aprire verso territori inesplorati. Un lavoro su sé stessi\, su idee e ossessioni che ritornano per presentarsi in modi sempre differenti. La chiusura di un’opera non è mai definitiva\, conduce a un’altra che è costituita su uno slittamento e un’apertura sulla precedente. Non si tratta di un miglioramento dell’opera di partenza\, ma della scelta di un punto iniziale noto per volgere verso un traguardo da raggiungere che sia ancora da definire\, inedito.” \n  \nCon la mostra “Svolgere\, Riavvolgere” Sergia Avveduti presenta un corpus articolato di lavori che esplorano il tema del tempo\, il rapporto tra natura e architettura umana\, il suono come espressione invisibile della materia nello spazio e l’unione tra logica e utopia nell’immaginazione del nuovo. Dai dipinti dalle forme velate che evocano il mistero alle geometrie plastiche delle sculture realizzate con minerali fossili\, questa esposizione offre un’esperienza artistica straordinaria. In mostra inoltre anche il nuovo video intitolato “In Lingua Matematica” che incarna il senso di una pratica artistica originale che abbraccia disegno\, collage e suono. \nINAUGURAZIONE: Giovedì 12 ottobre ore 18 \nQUANDO: Dal 12 ottobre al 20 novembre 2023 \nORARI: dal martedì al sabato dalle 17:00 alle 19:00 \nSu appuntamento. Per visitare la mostra è necessario telefonare al 320 9188304
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SUMMARY:iosonovulnerabile\, dunque vivo. Arte è amare la realtà!
DESCRIPTION:Presso l’exCarcere Pontificio di Velletri\, una straordinaria iniziativa artistica prende vita\, portando avanti un messaggio che parla di vulnerabilità\, realtà e del potere dell’arte: un gruppo di artisti e professionisti delle arti visive\, del cinema\, della fotografia\, della danza e della musica\, insieme a insegnanti\, tecnici e studenti dell’Accademia di Belle Arti e dei licei romani si è unito per creare “iosonovulnerabile\, dunque vivo. Arte è amare la realtà!”\, un progetto transdisciplinare\, a cura di Sergio Mario Illuminato\, che abbraccia diversi linguaggi espressivi dell’arte esplorando il concetto di coesistenza artistica nel contesto degli spazi dell’exCarcere Pontificio di Velletri\, un luogo di oltre mille metri quadri costruito nel 1861 dalla famiglia Romani. Questo spazio\, sepolto nell’oblio da oltre trent’anni\, torna a vivere e si trasforma in un luogo di arte e dialogo per le future generazioni. Nel cuore di questo luogo abbandonato\, le pareti di pietra logorate dalla storia e le sbarre testimoniano di un passato di confinamento e isolamento. Oggi\, queste stesse mura servono come tela per esplorare un tema tanto universale quanto intimo: la vulnerabilità umana. Il progetto è realizzato nell’ambito dell’Accademia di Belle Arti di Roma\, con il patrocinio di Regione Lazio e del Comune di Velletri\, produzione esecutiva di Movimento Vulnerarte APS\, con la collaborazione di Compagnia Atacama e Festival Internazionale Danza Contemporanea Paesaggi del Corpo.  \nQuesto progetto\, unico nel suo genere\, rappresenta un audace e innovativo esperimento artistico che pone la fragilità dell’essere umano al centro della scena. Gli artisti hanno affrontato l’arduo compito di immergersi in un contesto carcerario per trasformare la durezza del passato in un luogo di riflessione e consapevolezza. Ogni angolo di questo spazio crudo e suggestivo è permeato di una tensione palpabile in cui la vulnerabilità è riconosciuta come parte integrante dell’esperienza umana. “iosonovulnerabile” proseguirà fino al 30 gennaio 2024\, rappresentando l’ultima documentazione utile prima della ristrutturazione architettonica e del cambiamento di destinazione della struttura\, prevista nei mesi successivi. \nIl progetto prende ispirazione dal libro di Sergio Mario Illuminato “Corpus et Vulnus: omaggio ai maestri Tàpies\, Kiefer\, Parmiggiani” (Edizione IP\, 2023): da qui un gruppo di artisti ha dato vita ad una residenza artistica\, della durata di sei mesi\, all’interno dell’exCarcere Pontificio di Velletri; gli artisti presenti hanno dedicato questi mesi per ideare e realizzare uno “spazio intellettuale” profondo\, articolato\, critico\, fragile\, necessario. Il risultato finale è stata la nascita del Movimento Vulnerarte\, la realizzazione del cortometraggio “Vulnerare” e la pratica performativa “iosonovulnerabile”. Queste attività\, intrecciate tra loro\, racchiudono l’anima di un’esperienza immersiva a carattere site-coexistence. Alla base c’è l’idea che l’arte contemporanea è diventata irrilevante a causa della sua lontananza dalla verità della realtà e ha bisogno di un cambiamento radicale per rivendicare i suoi diritti sulla vita. Vulnerarte mira a rompere le barriere tra opera e non-opera\, tra autore e partecipante e tra spazio espositivo e vita quotidiana. \n“Le grandi esposizioni internazionali d’arte contemporanea stanno conoscendo un crescente uso dell’arte come entità astratta separata dalla realtà. L’arte sembra essere sempre più confinata solo in spazi ideologici codificati come musei\, fiere e gallerie. Personalmente\, come risposta alla drammatica situazione attuale\, ho sentito la necessità di re-agire artisticamente sfuggendo dagli spazi anestetici predefiniti che relegano l’arte ai margini e ho provato a mettere al mondo il mondo\, come affermava Alighiero Boetti. Lavoro per riabilitare le ‘cattedrali contemporanee della vulnerabilità’ che includono ex carceri\, ospedali\, mattatoi\, caserme\, chiese\, fabbriche\, scuole…e altri luoghi in stato di grave abbandono. La mia ricerca in questi spazi mira a creare un ambiente esperienziale potenziale\, uno spazio meditativo caratterizzato da una nudità cristallina\, al fine di recuperare una dimensione rituale aperta all’altro\, in cui artisti e partecipanti possono immergersi per ascoltare le vibrazioni degli elementi preesistenti insieme alla sensibilità e all’energia degli Organismi Artistici Comunicanti (OAC) che ho sviluppato nel corso degli anni. Gli spazi espositivi diventano così luoghi in cui si sviluppa un processo di relazioni senza uguali che può rivelare un lessico condiviso” così racconta Sergio Mario Illuminato. \nAd animare con le loro opere e la loro personale visione di arte l’exCarcere Pontificio di Velletri sono gli artisti: Sergio Mario Illuminato (pittura-scultura)\, Rosa Maria Zito (fotografia\, scenografia)\, Federico Marchi con Roberto Biagiotti e Alessandro Pagoni (cinema)\, Patrizia Cavola e Ivan Truol con Camilla Perugini e Nicholas Baffoni (danza)\, Andrea Moscianese (musica)\, Davide Palmiotto (arte dei suoni). Gli artisti\, ricostruendo una tensione narrativa in un contesto come l’exCarcere Pontificio di Velletri\, hanno dato vita ad un percorso tra ambienti intimi e conturbanti: celle\, scritte dei detenuti\, faldoni del tribunale penale e installazioni originali di dispositivi di pittura-scultura\, musica e cinema\, creando un originale e coinvolgente dialogo tra la storia e l’arte\, tra l’architettura e il pubblico. “Iosonovulnerabile” è un invito a guardare oltre le mura e le barriere\, a esplorare la bellezza e la complessità della vulnerabilità umana. Attraverso l’arte\, siamo chiamati a riconoscere la nostra connessione con gli altri e a celebrare la forza che può scaturire dalla nostra fragilità condivisa. \nVarcando il cancello dell’exCarcere Pontificio di Velletri si finisce in un limbo di invisibilità. Nel silenzio assordante di luoghi che vanno dimenticati si accende una luce per guardare da vicino la particolare bellezza e energia della pelle della vulnerabilità\, della piega della fragilità. A partire dal cortile della presa d’aria dei detenuti\, il visitatore è chiamato a mettere in discussione i propri sensi per scoprire una realtà architettonica in cui un gruppo di artisti transdisciplinari può praticare una forma di speleologia creativa\, capace di riportare alla luce ciò che l’incuria\, il degrado e il tempo sono riusciti a nascondere per decenni: “Organismi Artistici Comunicanti” che trascendono la loro materialità in un mondo che sembra essersi cristallizzato ma che\, nonostante tutto\, ci fa vedere perché lottare per la vita. \nIl progetto è realizzato nell’ambito dell’Accademia di Belle Arti di Roma\, con il patrocinio di Regione Lazio e del Comune di Velletri\, produzione esecutiva di Movimento Vulnerarte APS\, con la collaborazione di Compagnia Atacama e Festival Internazionale Danza Contemporanea Paesaggi del Corpo. \nCONTATTI \nMAIL: iosonovulnerabile@gmail.com \nSITO: https://www.iosonovulnerabile.it/ \nINSTAGRAM: https://www.instagram.com/iosonovulnerabile/ \nFACEBOOK: https://www.facebook.com/iosonovulnerabile/ \nYOUTUBE: https://www.youtube.com/@iosonovulnerabile
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SUMMARY:AVANGUARDIA FUTURISTA – Lattuada Gallery\, Milano
DESCRIPTION:Dal 18 Maggio al 28 Luglio 2023 Arte Centro – Lattuada Gallery\, a Milano\, ospita la mostra AVANGUARDIA FUTURISTA. \nIl progetto espositivo intende sviluppare una visione d’insieme dell’arte futurista\, comprendendo il suo intero panorama dagli inizi del Novecento fino agli anni Quaranta. All’interno della mostra AVANGUARDIA FUTURISTA saranno presenti i grandi maestri tra cui Giacomo Balla\, Umberto Boccioni e Gino Severini\, ma anche le aeropitture di Tullio Crali\, Giulio D’Anna e Tato\, il dinamismo di Roberto Marcello Baldessari\, le scomposizioni di Fortunato Depero\, e infine autori che appartengono al Secondo Futurismo quali Luigi Colombo – Fillia e Mino Delle Site. \nLa corrente del Futurismo – di cui la galleria è punto di riferimento fin dalla sua fondazione – ha raggiunto negli ultimi anni quel respiro internazionale che le ha permesso di essere riconosciuta come uno dei più grandi movimenti italiani del secolo scorso.
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SUMMARY:18° Ed. Bergamo in Fiera
DESCRIPTION:Dal 13 al 15 gennaio 2023 la Fiera di Bergamo ospiterà la diciottesima edizione di BAF – Bergamo Arte Fiera\, la mostra mercato di Promoberg s.r.l. dedicata all’arte moderna e contemporanea. La manifestazione\, che prende il via nel padiglione B in contemporanea alla fiera di alto antiquariato IFA – Italian Fine Art ospitata nel padiglione A fino al 22 gennaio\, anche quest’anno sarà arricchita da una serie di eventi collaterali tra mostre\, installazioni e talk di ampio interesse. \nParticolarmente suggestivo il percorso di otto macro installazioni di fiber art collocate dopo l’ingresso e racchiuse sotto l’unico titolo di INFERNOPARADISO. La mostra\, a cura di Barbara Pavan\, fa parte del progetto più ampio “FiberStorming” promosso da ArteMorbida nell’ambito del Salone Italia 25WTA World Textile Art e porta in Fiera a Bergamo una forma d’arte fino a pochi anni fa considerata di nicchia ma che sta destando anche in Italia sempre maggior interesse. L’evento\, che vede la partecipazione di esponenti di spicco della fiber art italiana e internazionale – Elham M. Aghili\, Mariantonietta Bagliato\, Michela Cavagna\, DAMSS\, Lucia Bubilda Nanni\, Guido Nosari\, il duo Federica Patera e Andrea Sbra Perego\, Elena Redaelli – ha il suo focus nella pluralità di significati e di interpretazioni dei concetti di inferno e paradiso\, in una crasi ortografica che rispecchia l’ambiguità di ogni definizione assoluta. \nDi grande rilievo anche la mostra fotografica ospitata all’ingresso della fiera\, “Il viaggiatore parallelo” di Roberto Salbitani\, uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea. L’esposizione\, a cura di Sergio Radici\, si compone di venti opere in bianco e nero facenti parte del progetto omonimo avviato tra gli anni Settanta e Ottanta\, un’ottantina di fotografie scattate dall’interno dei treni in viaggio tra Italia\, Francia e gli Stati della ex Jugoslavia. Roberto Salbitani sarà presente negli spazi di Bergamo Arte Fiera sabato 14 gennaio alle ore 15.00 per una conversazione sul suo lavoro intitolata “La vista immaginativa in 10 movimenti”: un dialogo con Roberta Valtorta\, storica della fotografia\, che a Salbitani ha dedicato nel 2013 un’ampia retrospettiva al Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo. \nIn programma nell’Area Talk della Fiera anche altri due appuntamenti. Sabato 14 gennaio dalle 9.30 alle 13.00 la CNA (Confederazione Nazionale dell’Artigianato e della Piccola e Media impresa) propone  “FuturArt: L’Arte Contemporanea tra materia\, immateriale e tempo”\, un incontro nato su iniziativa delle imprese associate del settore restauro di arte contemporanea. Il talk vedrà come contributo l’intervento di Giovanna Brambilla\, storica dell’arte\, che fornirà gli strumenti essenziali per distinguere nelle opere contemporanee valore materiale e valore artistico. Seguiranno gli approfondimenti tematici sulla conservazione\, i materiali e i metodi specifici del restauro del contemporaneo con Salvador Muñoz Viñas\, Paolo Cremonesi e Giovanna Scicolone. Interverrà infine Giovanni Bonelli con una riflessione sul ruolo fondamentale della figura del gallerista come mediatore tra le aspettative del cliente e la tutela materiale dell’opera. \nDomenica 15 gennaio alle ore 11.00 si parlerà infine delle nuove frontiere dell’arte contemporanea aperte da NFT e Criptoarte. Considerati come i maggiori trend del momento e ultima frontiera dell’espressione artistica\, gli NFT (Not Fungible Token) sono a tutti gli effetti uno dei più grandi fenomeni a livello globale degli ultimi anni che hanno aperto le porte alla Criptoarte\, alla creazione cioè di opere d’arte\, per lo più digitali\, la cui vendita è vincolata crittograficamente a una blockchain. Tra valore di mercato e valore artistico le questioni aperte sono ancora molte: saranno gli interventi mirati di esperti del settore come Pino Sestito – consulente per investimenti\, diversificazione di portafogli finanziari e asset allocation\, Ivan Quaroni – critico\, giornalista e curatore\, e Sergio Curtacci – docente dell’Università di Bergamo e ambasciatore Google Art & Culture\, a chiarire gli aspetti di questo interessante fenomeno. \nNegli spazi esterni di Bergamo Arte Fiera saranno inoltre esposte\, a cura di Promoberg s.r.l\, le sculture di Salvo Vella e Paolo Conti. “Phoenix After Tomorrow” è la scultura in metallo riciclato proposta da Salvo Vella (Palermo\, 1979) raffigurante un’Araba Fenice\, il celebre uccello mitologico che rinasce dalle proprie ceneri\, così come la scultura prende vita dagli scarti per diventare una creazione unica. Simbolo di forza e resilienza\, l’opera è un omaggio alla comunità bergamasca che per prima ha sperimentato la tragedia del Covid-19. Del maestro Paolo Conti sarà invece presente la scultura “La Freccia della Libertà”\, un’opera di tre metri di altezza creata nel 2009 in occasione del XX Anniversario della caduta del muro di Berlino. Il muro\, rappresentato da una lastra in acciaio corten inclinata\, viene metaforicamente abbattuto dalla freccia della libertà\, una piramide in acciaio inox che attraversa la lastra.
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SUMMARY:HYPER HEROES – From The Deepest Web World Space
DESCRIPTION:Vi presentiamo il nuovo Progetto del Maestro Stefano Bressani nel quale l’Artista desidera accompagnarci per mano oltre le finalità di essere una mostra contemporanea figurativa. \nNel suo “Pianeta delle Stoffe”\, in questa storia\, si narra dell’ingiustizia del tempo\, dei risvolti sociali e dei paradossi che\, in modalità giocosa come ne è solito fare\, nascondono il lato oscuro del nostro vivere\, dietro un siparietto in cui ognuno\, marionetta del suo destino\, gioca la propria partita. \nBressani\, figlio dagli anni ’70 nasce e cresce con l’immagine dei Super eroi del suo tempo\, Robot spaziali\, futuribili ed improbabili per quel periodo\, legati al fare dell’uomo e al desiderio di poter salvare il Mondo mettendo sempre davanti\, lo insegna la storia\, il nobile proposito del cuore che\, romanticamente\, si pone prima di ogni azione.  \nIn verità come molti ricorderanno\, dentro ad ogni Robot appartenuto alla sua infanzia\, il pilota era sovente l’uomo. C’erano dischi volanti\, magli perforanti e funamboliche figure atletiche che attraversavano cascate per posizionarsi alla guida dopo tripli salti mortali. Il Bene trionfava sempre sul male e l’idea di pace\, dopo ogni battaglia\, era oggetto di una quasi sistematica restituzione all’ordine.  \nCrescendo\, Bressani ha vissuto però un Mondo diverso\, maturando ha saputo meglio analizzare come la realtà distorta che veniva raccontata in quelle situazioni\, quelle dei suoi Super eroi\, anche se apparentemente inventate\, non avesse purtroppo un ritorno oggettivo con la realtà tangibile. \nOgnuno oggi percepisce l’arte come una licenza poetica e sa che\, grazie ad essa\, è possibile giocare attraverso le immagini\, tra incoerenze e paradossi\, da quelli più evidenti a quelli più sottili. Si apprezza oggi il sistema\, spesso utilizzato dagli artisti\, per raccontare il loro presente che poi è lo stesso di chi guarda. \nNel lavoro del Maestro\, il filo che unisce il passato al presente e lo proietta al futuro è sempre vivo ma spesso merita una spiegazione approfondita permettendo così\, a chi osserva\, di potersi addentrare nel concetto andando oltre la tecnica che gli è stata riconosciuta e oltre il colore che meglio lo rappresenta. \n“HYPER HEROES – From The Deepest Web World Space” è un titolo ironico che cela\, tra le sue lettere\, una modalità di ricerca quasi scientifica\, scegliendo ein modo evidente le immagini dal nuovo Mondo vistuale e re-interpretandole secondo i suoi più intimi paradigmi.  \nOggi\, che di anni ne sono passati tanti da quei ’70\, tutto accade IPER velocemente e spesso resta intrappolato nella rete della IPER informazione. Non si legge più\, le edicole in cui si acquistavano i fumetti sono divenute un lontano ricordo. Gli adulti si oggi si sentono a volte proiettati in un tempo che non gli appartiene ma al quale si sono adattati\, forti di una resilienza che ha permesso loro il passaggio dall’analogico al digitale. A breve probabilmente\, non avremo nemmeno più il tempo di guardare le immagini a monitor. \nTutto accade quì\, in questa storia\, dove l’Artista omaggia il mondo dei manga giapponesi\, quelli che negli anni hanno subito profondi cambiamenti rivalutando le modalità di esecuzione\, dal disegno a matita di certi fumettisti degli anni ’40 alle penne grafiche dei più blasonati programmi informatici. \nQuesto è il nuovo posto per i nuovi super eroi\, divenuti film\, vittime di nuove avvincenti interpretazioni\, dove gli attori (bravissimi) si sono arrogati la possibilità di diventare loro stessi robot\, vittime a loro insaputa di una storia che si ripete in un ciclo armonico senza fine. \nMeritano quindi una promozione\, i super eroi\, con tutta l’ironia che Bressani sa proporre nel suo racconto. Divenuti da SUPER a IPER\, ma costretti per la natura delle ferree regole di questo Mondo\, ad una trasformazione\, forzati a ritornare bambini dalle sembianze dei personaggi Chibi della cultura manga Giapponese e rappresentati da un titolo anglofono per schernirne le sembianze. Secondo la lingua inglese infatti\, lo stesso aggettivo è paragonabile al significato di “Super deformed”\, un gioco di situazioni che per l’Artista riportano ad denuncia propositiva che deve far pensare con una più consapevole valutazione del sistema in cui viviamo. \nLa Mostra consiste in uno spot mono formato colorato e avvincente in cui ci si può perdere tra i volumi delle Sculture Vestite confezionate sapientemente dall’Artista\, un luogo in cui puoi entrare e uscire\, passando dal parametro figurativo a quello informale senza alcun punto di riferimento\, una sorta di disorientamento programmato che invoglia il tatto e tutti i sensi contemporaneamente. \nMa… tra i tanti “simpatici deformi”\, dalle teste grandi e il corpo piccolo\, dalle grandi mani e gli occhi stucchevoli spicca l’Opera più importante di tutte\, quella che volutamente il Maestro ha lasciato fuori dalla comunicazione mediatica e quella che è rimasta segreta fino al momento della inaugurazione. \nNon per tecnica\, ma per modalità di linguaggio\, Flash ci riporta con i piedi per terra\, tra la coerenza dell’uomo Stefano Bressani e le incoerenze dell’Artista. A capo delle 12 Opere 100x70x8 cm appese alle pareti\, la Scultura più grande vigila adirata al senso della vita quasi come volersi riprendere il tempo perduto. \nIl vero gioco si posa su un cambio di direzione inaspettato\, dove l’anima di un fumetto romantico come quello uscito dal cappello di Gardner Fox e delle mani del disegnatore Harry Lampert nel 1940\, vuole riprendersi tutto. Proprio lui che\, abituato a vivere ad una velocità IPER sonica si vede essere l’unico rimasto vecchio\, paradossalmente a sorvegliare una scolaresca di bambini\, che a differenza sua\, sono tornati a giocare con sé stessi. \nSe vi abbandonate alle immagini\, lasciatevi disorientare dai concetti\, cedete gli occhi a ciò che non va spiegato perché è bello che l’Arte possa esprimersi\, prima di tutto\, secondo una “non logica” che ha una logica: si chiamano idee\, e le idee devono essere necessariamente frutto di un pensiero rispettabile e rispettato\, un pensiero che sa generare una storia da raccontare. Ognuno uscirà con una opinione e forse un proposito\, perché nella vita di ognuno di noi\, tutti possiamo ambire ad essere promossi da “super” ad “iper”.  \nSi lascia a voi la conclusione della storia con un suggerimento: forse non importa a quale velocità decidiate di correre\, forse l’importante è capire che ogni viaggio lascia un senso profondo\, ed anche in questo\, forse\, ognuno ha avuto la possibilità di iniziare ad essere un super eroe per la propria vita e un iper eroe per la vita degli altri. (S.C.) \nDall’Artista: \n<<IO VIVO e contemporaneamente IO FACCIO\, questo è il mio modo di essere contemporaneo. \nIn quanto “Artista” ho imparato sulla mia pelle ad unire i sogni alla praticità\, cercando ogni giorno di rendere possibile il mio improbabile. Qualche volta ci sono anche riuscito. \nHo voluto\, con questa mostra\, esprimere una mia idea che è anche una denuncia sociale da intendere nel modo più costruttivo possibile. Questa mia nuova mostra è un PROGETTO che spiega\, tra le trame dei miei tessuti\, l’importanza del senso del tempo legato al paradosso del vivere dell’uomo moderno in un sistema che\, fuori controllo\, ci ha inghiottiti. Forse è una provocazione\, ma ancor più ne è la mia visione analitica\, che prende forma da un pensiero e si palesa attraverso le mie mani per arrivare agli occhi delle persone. Se con il mio progetto di Kaotika affrontavo qualche anno fa il tema del caos urbano in una coraggiosa e tenebrosa visione de-saturata dal colore e drammatica\, questa volta voglio giocare come i bambini\, in un periodo storico che sicuramente ha più bisogno di svago e ilarità\, senza però perdere la consapevolezza di essere adulto>>. (S.B.)
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SUMMARY:Oltrepop
DESCRIPTION:La galleria Pisacane Arte presenta la mostra OLTREPOP\, personale delle opere dell’artista e designer Fè\, con serata di inaugurazione giovedì 24 novembre\, dalle ore 18.30 in viale Monza 55 a Milano. \nDurante l’esposizione Fè\, nome d’arte di Federica Sutti\, presenterà una miscellanea della sua produzione che lei stessa definisce concettual-pop. \nFè unisce il suo innato istinto creativo alla formazione da designer che le permette di realizzare opere utilizzando diverse tecniche: colate di argilla\, cemento e resina in stampi\, pittura acrilica e spray\, stampa 3d\, cianografia\, intarsi di legno dipinto\, tecniche di tappezzeria\, illustrazione digitale. \nPartendo da un’idea\, da un’osservazione sul presente\, l’artista sceglie il materiale più adatto e la forma più congeniale per rendere al meglio il concetto che vuole descrivere. Il risultato sono opere metaforiche estremamente inserite nel contemporaneo\, che vanno appunto oltre il pop\, sfruttandone il linguaggio estetico per approfondire le sue considerazioni concettuali. \nPer esempio\, la serie Myselfie – Homo Monitor nasce da una riflessione sull’impatto degli smartphone nella nostra quotidianità. Questa evoluzione dell’Homo Sapiens presenta un volto monitor\, si ciba di dati e bbe nuova umanità attraverso la ceramica\, la stampa 3d e la cianografia. \nLa serie Kisses è nata\, invece\, nel corso del lockdown\, durante il quale l’artista si è interrogata su come le dimostrazioni di affetto siano cambiate a causa del distanziamento sociale. Ha creato così tele\, intarsi in legno\, stampe digitali e sculture con soggetto quei baci che avremmo voluto inviare ai nostri cari lontani. \nLa collezione Banana Tiama racconta e celebra le diversità: Fè ci presenta una nuova qualità di banana\, molto diversa dagli standard\, perché colorata\, pop\, decorata con graffiti e gocce di colore. Troveremo esposte molte “tipologie” differenti\, composte con cemento\, tessuti e acrilici. \nIconavirus è un progetto artistico ispirato alla nostra quotidiana esposizione ai brand: i loghi si moltiplicano\, modificano i nostri bisogni e desideri\, si assemblano fino a divenire maschere fiere e quasi minacciose\, simboli di un disturbo brand-fobico. \nLe icone pop della nostra infanzia vengono smontate\, destrutturate in figure caleidoscopiche nella collezione Kaleidotoons. In questi mosaici colorati riusciamo lo stesso a riconoscere i personaggi dei cartoni animati più amati – come Topolino\, I Simpsons\, Bugs Bunny e molti altri – tanto sono stati metabolizzati nella nostra coscienza. \nSaranno anche esposti i pellami dipinti a mano da Fè per la realizzazione di tre borse – artbags – per il luxury brand Demanumea: qui l’unione tra arte pittorica\, design e moda risalta e dimostra il carattere eclettico dell’artista. \nIl percorso della mostra farà riflettere il visitatore su questi temi raccontati da Fè all’insegna della pop-cettualità\, rimettendo così in circolo il pensiero realizzativo iniziale in un dialogo stimolante per l’osservatore.
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SUMMARY:15a edizione del Rock’n’roll Party
DESCRIPTION:Sabato 6 agosto ritorna in grande stile il Rock ‘n’ roll Party\, la festa Anni Cinquanta più grande del sud Italia\, che quest’anno spegne le quindici candeline. \nIl campo sportivo di Avetrana (TA) è pronto a trasformarsi in un gigantesco Retrò Village: tra pin-up e artisti di strada\, auto americane e moto d’epoca\, parrucchieri e postazioni trucco\, si potrà passeggiare nel mercatino vintage\, con esposizioni di dischi\, vestiti\, libri\, tutto rigorosamente legato alla cultura dei mitici Anni ’50. \nRock ‘n’ Roll Party è entrato nel cuore non solo degli appassionati del genere\, ma delle migliaia di spettatori che in questi anni hanno potuto rivivere\, almeno per una notte\, la magica atmosfera dei Fifties. Un evento adatto a tutti\, grandi e bambini.  \nTra le tante attrazioni del Retrò Village\, grazie alla partnership con il RNR Party e sotto la bandiera di “Strade del Sud”\, riprende a ruggire dopo anni di stop forzato il Belvedere Motor Party\, il più antico evento pugliese di auto americane e moto Custom\, giunto anch’esso alla quindicesima edizione. Al suo interno\, tre strepitose aree: l’Harley Village\, Indian e Moto Guzzi\, più un parcheggio riservato a tutti i tipi di moto\, alle auto americane e ai Wolkswagen air cooled. \nCome in un immenso luna park\, sarà divertimento a 360 gradi: dall’immenso mercatino vintage zeppo di prodotti esclusivi\, abiti e accessori in perfetto stile anni ’50\, muovendosi tra ballerini acrobatici\, giocolieri e artisti di ogni tipo\, si potrà ammirare il “quartiere” dedicato al trucco e parrucco… e magari azzardare una nuova pettinatura\, un ciuffo alla Elvis o un colpo di brillantina. \nTra le grandi novità di questa edizione\, la collaborazione con Circonauta\, il Festival Internazionale del Circo Contemporanea\, ed un’area Vans\, dedicata al celebre marchio\, in cui alcuni straordinari artisti si esibiranno in dei live painting da non perdere! \nRock ‘n’ Roll Party sarà dunque un vero e proprio villaggio anni ’50\, fatto di luci\, colori\, suoni\, sorprese e colpi a effetto\, in cui il pubblico viene sedotto dalla magia romantica dello spirito americano\, in un viaggio che dura dal tramonto all’alba. \nMusica rock ‘n’ roll\, show di burlesque e street food\, in un’ambientazione degna della trasgressiva Las Vegas\, completeranno una serata indimenticabile\, presentata dal grande Dr. Feelgood\, celebre conduttore di Virgin Radio. \nINFO  \nRock ‘n’ Roll Party \nCampo Sportivo – Avetrana (TA) \nInfoline: 3533638007 \nSito Web: http://www.rocknrollerchie.com/
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LOCATION:Stadio di Avetrana\, Avetrana\, Taranto\, Italia
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SUMMARY:Frammentazioni RocC’Arte
DESCRIPTION:Dal 15 maggio 2025\nOrganizzata da: Oriana Impei e Matthias Omahen\nA cura di: Oriana Impei\, Matthias Omahen\, Yongxu Wang e Alessandro Giansanti\nCon la collaborazione di: Associazione AAIE e Agarte – Fucina delle Arti\nFESTIVAL PORTRAITS ON STAGE PAESAGGI\nLa mostra inserita nel programma del FESTIVAL PORTRAITS ON STAGE PAESAGGI\npromossa da Settimo Cielo ETS con il sostegno del Ministero della Cultura\, prevede nella\npiazzetta antistante Via della Villa 46/48 Giovedì 15 maggio\, ore 18.30 – IL DONO DI\nICARO – omaggio a Beverly Pepper – TEATRO (Percorsi Accidentali) Francesca Ceci e\nGiacomo Sette.\nComunicato:\nGiovedi 15 Maggio alle ore 17:00 ha inizio la mostra di arte Contemporanea nel Comune\ndi Rocca Santo Stefano in provincia di Roma\, nell’alta valle dell’Aniene\, nelle abitazioni in\nvia della Villa n.46 e 48\, con la partecipazione di diciotto artisti che espongono le loro\nopere per inaugurare le case per residenze d’artista. Le abitazioni sono di proprietà degli\nartisti Oriana Impei e Matthias Omahen\, i quali hanno restaurato queste antiche case\,\nacquistate e di famiglia di Oriana Impei nella zona detta del Fumato\, nel quale da trecento\nanni fino agli anni 60 nelle cantine venivano costruite le botti di castagno\, antico mestiere\ntradizione tipica del Comune di Rocca.\nIl restauro straordinario che ha interessato il rifacimento integrale del tetto e dei solai\nmantenendo in parte la struttura originaria con un restauro conservativo\, ha avuto inizio\nnel gennaio 2023 e ancora in corso in work in progress per rifiniture interne\, verrà\ninaugurato dagli stessi proprietari e dal Comune patrocinante la mostra. Lo stesso\nComune con la Città Metropolitana di Roma Capitale ha premiato i due artisti presso il\nPalazzo della Provincia a Roma con il Premio Town Ambassador per il Comune di Rocca\nSanto Stefano.\nGli artisti partecipanti alla mostra d’arte internazionale sono docenti dell’ABARoma e artisti\nche hanno partecipato in altri eventi curati da Oriana Impei e sono: Emanuela Camacci\,\nSolmaz Vilkachi\, Yongxu Wang\, Eleonora Valeri\, Eclario Barone\, Andrea Lelario\, Giancarlo\nLepore\, Oriana Impei\, Matthias Omahen Michele Flammia\, Fabiola Cenci\, Emanuele\nMarsigliotti\, Marijcke van Der Maden Francesco Intreccialagli\, Isik Ozcelik\, Raffaella\nTommasi\, Azadeh Shirmast Ana Paula Torres. La mostra è curata da Oriana Impei e\nMatthias Omahen e dalle Associazioni AAIE con Yongxu Wang e Agarte – Fucina delle Arti\ncon Alessandro Giansanti\, che collaborano alle residenze d’artista\, invitando artisti da\nvarie nazionalità in particolare dalla Cina e dall’Europa.\nLe abitazioni prima di essere arredate ospiteranno la mostra Frammentazioni RocC’Arte.\nSeguirà un workshop dell’ABAROMA Copia incolla sculture in Rocca\, sul tema di antichi\nmestieri\, con la partecipazione di cinque allievi dell’Accademia di Belle Arti di Roma del\ncorso di scultura\, seguito dalla professoressa Oriana Impei\, con il tutor testimonial\nGiancarlo Lepore già docente dell’Accademia di Belle Arti di Urbino. Gli allievi\nrealizzeranno cinque opere scultoree in acciaio corten e pietra per poi collocarle nel borgo\ndi Rocca\, gli allievi: Sofia Mirti con la scultura edicola dei mestieri: I bottai\, Leonardo\nMariani il Fabbro\, Dalila Staiano il Cesto solare\, Alessia Frasca Cicli ancestrali\, Umberto\nBonolis Tradizione e progresso. L’iniziativa del workshop organizzata dall’Accademia di\nBelle Arti di Roma con il sostegno e patrocinio del Comune di Rocca Santo Stefano\ninizierà dal 20 al 25 Maggio 2025 e vedrà la realizzazione delle opere presso l’officina del\nferro Sicur Blindo di Giovanni e Fausto Ciancarella e per la pietra presso gli spazi di Lcm\nditta di Mauro Impei.Al termine del workshop il 25 Maggio sulla base delle immagini delle\nopere realizzate\, verrà eseguito un concerto nella Piazza Pontica ore 18:30 MUSICA\n(Conservatorio Arcangelo Corelli) Musiche Maestro Alessandro Bares inserito nel\nprogramma del Festival Portraits on stage Paesaggi\,\nMostra FRAMMENTAZIONI RocC’Arte ingresso libero e gratuito\nLa mostra resterà visitabile fino a Sabato 17 maggio dalle ore 10:00 alle 19:00\nspettacolo teatrale e concerto ingresso a pagamento di 4€ ridotto 2€
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SUMMARY:Florence Biennale annuncia la sua XV Edizione: a Tim Burton va il Premio "Lorenzo il Magnifico" alla Carriera
DESCRIPTION:La Florence Biennale annuncia l’attesa XV Edizione\, che si svolgerà presso la Fortezza da Basso a Firenze dal 18 al 26 ottobre 2025. Questa prestigiosa mostra internazionale d’arte contemporanea e design della città medicea è un’esposizione culturale che si distingue dalle altre biennali per il suo format. Infatti\, ad essere il fulcro\, in qualità di espositori e pertanto protagonisti\, sono gli artisti e designer in prima persona\, selezionati dopo un’accurata valutazione dal Comitato Curatoriale. L’obiettivo di questa formula innovativa è quello di voler costituire una preziosa ed efficace occasione per tutti gli artisti di presentare il proprio lavoro direttamente agli operatori culturali e al grande pubblico\, in un contesto indipendente e multanime che crea spontaneamente l’opportunità e le condizioni per un dialogo diretto. \nAttraverso un ricco programma di appuntamenti collaterali quali conferenze\, mostre\, performance\, proiezioni e iniziative didattiche\, la biennale offre diverse opportunità di incontro tra artisti e visitatori\, che possono confrontarsi su vari aspetti dell’arte e della cultura\, con una particolare attenzione al tema centrale dell’edizione in corso. \nQuello scelto per l’edizione 2025 è “The Sublime Essence of Light and Darkness. Concepts of Dualism and Unity in Contemporary Art and Design”\, dedicato al primordiale ed eterno connubio tra luce e oscurità\, da sempre al centro della ricerca artistica\, scientifica\, filosofica e letteraria. La XV Florence Biennale annovera in concorso le seguenti categorie artistiche: Arte ceramica\, Arte digitale\, Arte e Design del gioiello\, Arte Tessile e Fiber Art\, Disegno\, Grafica d’arte e Calligrafia\, Fotografia\, Installazione d’arte\, Mixed Media\, Performance Art\, Pittura\, Scultura\, Video Art con la partecipazione di centinaia di artisti provenienti da oltre 80 Paesi e 5 continenti. D’altra parte\, le categorie annoverate per il settore design sono: Architecture and Town Design\, Industrial and Product Design\, Fashion and Jewellery Design\, Interior Design\, Communication and Graphic Design\, Technology and Game Design. \nPRESENTAZIONE DEL FORMAT \nLa Florence Biennale\, fondata nel 1997 da Pasquale e Piero Celona insieme a un comitato di artisti\, curatori e critici d’arte\, viene diretta da Jacopo Celona\, affiancato dall’event manager e curatore Giovanni Cordoni. \nOgni edizione si svolge su 11.000 metri quadrati di terreno e si avvale della partecipazione di circa 600 artisti provenienti da oltre 80 Paesi con più di 1.500 opere\, selezionati con cura per garantire una straordinaria varietà di stili. Tra questi\, diversi special guests vengono invitati a partecipare per la loro rilevanza nel panorama artistico internazionale. Oltre ad offrire un ampio calendario di mostre tematiche\, progetti speciali\, ospiti d’onore e prestigiose anteprime nazionali\, la Florence Biennale consegna 2 premi alla carriera dedicati alle categorie di arte e design. \nGli artisti espositori che si distinguono per le opere in concorso nelle categorie artistiche di riferimento ricevono il Premio Internazionale “Lorenzo il Magnifico”\, assegnato da una Giuria Internazionale costituita da personalità di rilievo del mondo dell’arte e della cultura. Questo riconoscimento è intitolato così al fine di ricordare e omaggiare Lorenzo de’ Medici\, detto “il Magnifico”\, per sottolineare la fiorentinità della manifestazione e per connetterla idealmente alla sua importante storia artistica nella figura emblematica del grande mecenate e promotore delle Arti del Rinascimento. \nQuesto premio è affiancato dal Premio “Lorenzo il Magnifico” alla Carriera – destinato a interpreti e istituzioni di cui siano emersi particolari meriti artistici o contributi al mondo della cultura – e dal Premio “Lorenzo il Magnifico” del Presidente\, che viene conferito agli artisti a cui viene riconosciuto un particolare merito nello sviluppo e diffusione dell’arte contemporanea odierna\, a discrezione e giudizio del Presidente della Florence Biennale Pasquale Celona. \nFra i premiati alla Carriera per l’arte delle passate edizioni ricordiamo Marina Abramović (2009)\, Gustavo Aceves (2019)\, Refik Anadol (2019)\, Sauro Cavallini (in memoriam\, 2017)\, David Hockney (2003)\, Christo & Jeanne-Claude (2005)\, Ferrari & Pininfarina (2003)\, Gilbert & George (2007)\, Arata Isozaki (2017)\, Anish Kapoor (2013)\, Michelangelo Pistoletto (2021)\, Oliviero Toscani (2021)\, Franco Zeffirelli (2019) e David LaChapelle (2023). \nPer la 4° volta consecutiva\, una sezione sarà dedicata anche al mondo del design. Questa recente introduzione ha assunto un valore particolarmente significativo nell’anno in cui si è celebrato il 500esimo anniversario della morte di Leonardo da Vinci\, il cui genio è da sempre associato alla progettualità tecnico-scientifica\, oltre che artistica. È proprio a questa grande personalità che sono intitolati i premi della sezione design. \nAi migliori designer espositori nelle 6 categorie\, viene conferito il Premio Internazionale “Leonardo da Vinci” per il Design\, assegnato come per la sezione arte da una Giuria Internazionale composta da eminenti personalità del settore. \nIl Premio Internazionale “Leonardo da Vinci” alla Carriera viene conferito a persone e/o organizzazioni che si siano distinte con i loro lavori dando un importante contributo alla creatività e all’innovazione. \nInfine\, ai Designers cui viene riconosciuto un particolare merito nello sviluppo e diffusione del Design è destinato il Premio “Leonardo da Vinci” del Presidente\, a discrezione e giudizio del Presidente della Florence Biennale Pasquale Celona. \nNel corso delle passate edizioni\, alcuni dei premiati alla Carriera per la sezione Design sono stati Salvatore e Wanda Ferragamo (2019)\, Elsa Peretti di Tiffany & Co. (2019)\, Paula Scher (2019)\, Vivienne Westwood (2021) e Santiago Calatrava (2023). \nIn occasione della XV edizione\, la Florence Biennale assegna il Premio internazionale “Lorenzo il Magnifico” alla Carriera al regista e artista americano Tim Burton\, che verrà premiato in presenza martedì 21 ottobre 2025 presso l’area teatro di Florence Biennale\, alla Fortezza da Basso di Firenze. \nIl celebre autore cinematografico e artista statunitense ha così accolto la notizia del premio: “Sono molto onorato di essere il nuovo destinatario del premio “Lorenzo il Magnifico” alla carriera\, unendomi alla lista di artisti straordinari premiati in passato. Questo riconoscimento mi dà anche la possibilità di creare una mostra a Firenze per la Biennale e non vedo l’ora di esplorare il tema di quest’anno su dualismo e unità attraverso la mia arte e riflettere su quegli opposti che non esistono l’uno senza l’altro: luce e oscurità\, bene e male\, ordine e caos.” \nPer maggiori informazioni sul programma della XV edizione della Florence Biennale visita il sito https://www.florencebiennale.org/
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SUMMARY:MAGGIO MUSEALE Partecipazione del Polo Museale Sapienza alla Notte Europea dei Musei 2025
DESCRIPTION:Sabato 17 maggio 2025 \napertura dalle 15.00 alle 24.00 \nvisite guidate | mostre | eventi | laboratori ludico didattici | musica \nPolo Museale Sapienza (PMS)  \nCittà Universitaria | P.le Aldo Moro\, 5 |Roma \nIngresso e parcheggio gratuiti dalle 15.00 alle 24.00 \n  \nIl Polo Museale Sapienza (PMS) riapre anche quest’anno le porte dei suoi musei tornando a partecipare al prestigioso appuntamento di rilevanza internazionale Notte Europea dei Musei 2025\, in programma sabato 17 maggio 2025. Con l’evento Maggio Museale\, i Musei di Sapienza accoglieranno i visitatori già a partire dalle ore 15.00\, offrendo a famiglie\, bambini e al grande pubblico\, la possibilità di scoprire e ammirare le loro collezioni in maniera completamente gratuita e di prendere parte a divertenti e coinvolgenti laboratori ludico-didattici e a visite guidate. Questa anticipazione delle attività dei Musei di Sapienza confluisce poi nel programma della Notte dei Musei 2025\, partendo alle 20.00 con il concerto della Salt Street Band sulla terrazza del Rettorato e proseguirà fino alle ore 24.00 con una vasta offerta di mostre\, eventi\, visite guidate tematiche e numerosi laboratori insieme ad altre iniziative di promozione culturale. \nQuesto straordinario evento segna l’ottava edizione del Maggio Museale del PMS e rappresenta un’occasione unica per vivere in modo alternativo lo spazio universitario\, dando la possibilità ad un pubblico ampio e variegato di prendere parte a un momento di scoperta\, divertimento e incontro dalle prime ore del pomeriggio sino a sera tarda. \nValore aggiunto di questo imperdibile appuntamento artistico e culturale è la facilità di accesso agli spazi del Polo\, grazie alla messa a disposizione del tutto gratuita del parcheggio interno del campus universitario e all’apertura di due ingressi\, il primo situato in P.le Aldo Moro 5 e il secondo in Viale dell’Università 38. Inoltre\, la vicinanza dei numerosi musei permette di raggiungere rapidamente e visitare senza sforzi una vasta gamma di strutture e collezioni. \n  \nIL POLO MUSEALE SAPIENZA \n  \nIl Polo Museale Sapienza\, sotto la presidenza di Fabio Attorre e diretto da Claudia Carlucci\, rappresenta una delle istituzioni culturali e scientifiche più rilevanti all’interno della Capitale e dell’Università di Roma. Comprende ben 19 musei universitari\, di cui 7 fuori dalla Sapienza suddivisi tra Roma e Latina\, ciascuno portatore di una propria specificità e identità culturale. Si tratta di musei di interesse storico\, dedicati alla conservazione\, alla tutela e alla valorizzazione di un ingente patrimonio\, ma anche alla ricerca attiva\, alla didattica e alla divulgazione. Le numerose collezioni rappresentano un autentico tesoro senza eguali e dal valore inestimabile\, offrendo un’ampia gamma di scienze\, tecnologie\, reperti archeologici e opere d’arte che riflettono la complessità e la ricchezza della storia romana e non solo. La diversità e l’importanza delle collezioni presenti all’interno del PMS lo collocano tra le istituzioni culturali di maggior prestigio di Roma\, contribuendo in modo significativo alla conoscenza e alla valorizzazione del patrimonio storico e scientifico. \nI musei che il Polo museale coordina sono: il Museo di Anatomia Comparata\, il Museo di Anatomia Patologica\, il Museo di Antropologia\, il Museo delle Antichità Etrusche e Italiche\, il Museo dell’Arte Classica\, il Museo di Storia della Medicina\, il Museo della Geografia\, il Museo di Scienze della Terra\, il Museo Erbario\, il Museo Orto Botanico\, il Museo di Zoologia\, il Museo di Arte e Giacimenti Minerari\, il Museo di Chimica\, il Museo di Fisica\, il Museo di Idraulica\, il Museo di Merceologia\, il Museo Laboratorio di Arte Contemporanea\, il Museo Vicino Oriente Egitto e Mediterraneo\, il Museo delle Origini. \nNotte Europea dei Musei – il prestigioso appuntamento di rilevanza internazionale per diffondere la conoscenza del patrimonio e dell’identità culturale europea è promosso dal Ministero della Cultura\, dal Consiglio d’Europa\, dalla Commissione Europea e dall’ICOM. \nINFORMAZIONI UTILI \nTITOLO: MAGGIO MUSEALE | Partecipazione del Polo Museale Sapienza alla Notte Europea dei Musei  \nQUANDO: sabato 17 maggio 2025 \nORARI: dalle 15.00 alle 24.00 \nDOVE: Sapienza Università di Roma – Città Universitaria \nINGRESSI: Piazzale Aldo Moro\, 5 / Viale dell’Università\, 38 \nINGRESSO LIBERO \nPARCHEGGIO GRATUITO ALL’INTERNO DELLA CITTÀ UNIVERSITARIA
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SUMMARY:L’antico Cammino del Giubileo – Arte\, Fede e Storia – Visita guidata
DESCRIPTION:DOMENICA 26 APRILE ALLE ORE 16:00\nPRENOTAZIONE OBBLIGATORIA ENTRO LE ORE 16:00 DI SABATO 5 APRILE al seguente https://artistinaty.it/event/lantico-cammino-del-giubileo/\nUn affascinante viaggio nel cuore di Roma\, seguendo il cammino storico e spirituale dei pellegrini che\, durante i Giubilei\, si dirigevano verso la Basilica di San Pietro. In questo percorso\, rivivremo la tradizione del pellegrinaggio “romeo”\, che nei secoli ha visto migliaia di fedeli giungere a Roma per ricevere l’indulgenza giubilare. Il nostro itinerario inizierà dalla pittoresca Via dei Coronari\, un tempo fulcro del commercio religioso. Questa storica strada accoglieva i pellegrini con le sue botteghe di articoli sacri. Percorrendo questa via\, scopriremo il fascino dei vicoli romani e il legame indissolubile tra la città e la fede. Proseguiremo poi verso il maestoso Ponte Sant’Angelo\, costruito dall’imperatore Adriano come accesso al suo mausoleo\, oggi noto come Castel Sant’Angelo. Il ponte è ornato dalle famose statue degli angeli\, realizzate da Gian Lorenzo Bernini. Qui\, i pellegrini si fermavano per un ultimo sguardo al fiume Tevere prima di proseguire verso il cuore della cristianità. Di fronte a noi si staglierà l’imponente Castel Sant’Angelo che\, oltre alla sua funzione difensiva\, ha rappresentato un luogo di passaggio per i pellegrini diretti alla Basilica di San Pietro\, simbolo della protezione divina lungo il cammino. L’ultima tappa del nostro percorso si concluderà con la straordinaria veduta esterna della Basilica di San Pietro\, che accoglie pellegrini da tutto il mondo. Da qui\, si può ammirare la splendida Cupola di Michelangelo\, che svetta sopra la città\, simbolo di speranza e redenzione per tutti coloro che giungono a Roma in cerca di perdono e spiritualità. Un viaggio nel tempo\, un’esperienza di fede e storia. Un cammino che ci porterà a scoprire Roma sotto una luce nuova\, con una visione profonda della tradizione giubilare che ha plasmato la città nei secoli.
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SUMMARY:Urgenze | Opere di Gina Babić
DESCRIPTION:Opere di: Gina Babić \nStudio Campo Boario \nVia Ostiense\, 2\, 00154 Roma \nDal 28 marzo al 6 aprile 2025 \nIngresso libero e gratuito \nOrganizzata da: Agarte – Fucina delle Arti \nA cura di: Alessandro Giansanti \nCon la collaborazione di: Kodomo e Rakele Tombini \nGeneri: Scultura\, performance\, arte contemporanea. \nMostra personale d’arte contemporanea di Gina Babić organizzata dall’Associazione Culturale e Galleria d’Arte “Agarte – Fucina delle Arti” a cura di Alessandro Giansanti. L’esposizione vede una selezione di opere scultoree della giovane artista\, le ceramiche e le installazioni sono esposte all’interno dei locali della sede associativa di Studio Campo Boario in collaborazione con Kodomo e Rakele Tombini. \nComunicato: \nLa ricerca svolta negli ultimi anni dall’artista Gina Babić si concentra in una selezione di opere scultoree raccolte nel percorso espositivo di “Urgenze”\, un viaggio tra difficoltà espressive e ricerche interiori riassunto in un corpus composto da una produzione di 13 sculture ceramiche non convenzionali. \nL’esposizione dell’artista vincitrice della seconda edizione del “Progetto Mentore” del 2024\, programma di assistenza e sviluppo per giovani talenti under 35 tradotto in un percorso di affiancamento con l’associazione “Agarte – Fucina delle Arti” per la durata di 6 mesi\, ha portato alla creazione di questa rassegna dove le opere\, esposte in una narrazione che segue il percorso della labirintica location\, raccontano l’articolato mondo espressivo dell’autrice.  \nIl calendario dell’esposizione prevede il vernissage venerdì 28 marzo (ore 18-21)\, un workshop di fanzine organizzato dalla stessa artista in collaborazione con Kodomo sabato 5 aprile (ore 16-18)\, rimanendo aperta su prenotazione. Il progetto espositivo terminerà domenica 6 aprile con il finissage ufficiale (ore 17-20) e performance di Rakele Tombini ore 18.30. \nLa rassegna sarà liberamente visitabile (Ingresso gratuito) nei giorni 28 e 29 marzo (orario 18-21)\, su prenotazione dal 31 marzo al 4 aprile\, il 5 e 6 h 17.00–20.00. Per qualsiasi informazione +39 351 740 5874 – agarte@agarte.it – www.agarte.it.
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SUMMARY:Muri/Palazzi | mostra di Sara Cozzi\, Giuseppe Palermo
DESCRIPTION:Via Cairoli\, 15\, 00044 Frascati (RM)\nAgarte – Fucina delle Arti\n8 marzo – 23 marzo 2025\nIngresso libero e gratuito\nOrganizzata da: Agarte – Fucina delle Arti\nA cura di: Alessandro Giansanti\nOpere di: Sara Cozzi\, Giuseppe Palermo.\nLa mostra bipersonale organizzata dall’Associazione Culturale e Galleria d’Arte “Agarte –\nFucina delle Arti” a cura di Alessandro Giansanti vede l’esposizione degli ultimi lavori scultorei\ne pittorici dei due artisti contemporanei. La rassegna “Muri/Palazzi” si svolgerà all’interno dei\nlocali della nuova sede espositiva dell’associazione e galleria di Frascati in un dialogo\nartistico tra le due realtà creative.\nComunicato:\n“Muri/Palazzi” apre il nuovo spazio artistico di Agarte\, un luogo di contrasto e dialogo tra\ntradizione e contemporaneità dove frizione e confronto sono alla base delle ricerche artistiche\nselezionate; Giuseppe Palermo e Sara Cozzi connettono i loro lavori tra Pop/Neo-Pop\, Street\nArt ed Urban Art muovendosi tra tele\, ceramiche e sculture per un totale di 40 opere esposte\nnelle due sale principali dello spazio espositivo.\nIl confronto e l’incontro tra i due artisti sposa l’idea di “incontro/scontro” alla base del nuovo\nprogetto di Agarte: il primo modulo si ispira allo studio delle ultime correnti artistiche\npostmoderne\, principiando con Pop/Neo-Pop\, Street Art ed Urban Art tra “opere morbide”\,\nstreet art “portatile” (o “Street Walls” – muri urbani tascabili) e scomposizioni su ceramica\nfrutto della potente creatività dei due volti dell’arte contemporanea.\nLa mostra aprirà con vernissage sabato 8 marzo dalle ore 18 fino alle ore 20.30 e proseguirà\ntutti i giorni della settimana esclusi i lunedì seguendo regolare orario settimanale della nuova\nsede di Via Cairoli 15\, 00044 Frascati (RM)\, fino a conclusione domenica 23 marzo 2025.\nLa rassegna sarà liberamente visitabile (Ingresso gratuito) nei seguenti orari: martedì\,\nmercoledì\, venerdì e sabato 10.00-12.45 / 16.00-19.45\, giovedì e domenica 10.00-12.45 (per\nqualsiasi informazione +39 351 740 5874 – agarte@agarte.it – www.agarte.it).
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SUMMARY:“L’Ibrido Universo Metropolitano” Mostra personale di Max Hamlet Sauvage
DESCRIPTION:Autore: Max Hamlet Sauvage \nTitolo: “L’Ibrido Universo Metropolitano che indaga sul destino dell’Uomo” \nSede: “La Casa degli Artisti”\, Via Lepanto\, 1\, Gallipoli (LE) \nPeriodo Mostra: dal 12 aprile al 4 Maggio 2025 \nInaugurazione: Sabato 12 aprile 2025 ore 18.30 \nOrari di apertura: tutti i giorni dalle 16 alle 20 \nIngresso: libero e gratuito \nCuratori: Proff. Orsolina Fontò e Maria Cristina Maritati \nArt director: Giorgio De Cesario \nCatalogo disponibile in sede \nProseguono nel mese di aprile gli incontri culturali de La Casa degli Artisti di Gallipoli\, residenza dell’artista Giorgio De Cesario\, che questa volta ospita nella sua Galleria Permanente l’amico e stimato collega Max Hamlet Sauvage\, poliedrico surrealista concettuale di fama internazionale\, di origini gallipoline ma di formazione cosmopolita. Ha infatti viaggiato molto per il mondo\, frequentando le più prestigiose scuole d’arte ed incontrando gli artisti e i critici più in vista del Novecento e del Nuovo Millennio. \nLa mostra\, presentata dal noto scrittore Maurizio Nocera e costituita da 25 opere\, è intitolata “L’Ibrido Universo Metropolitano che indaga sul destino dell’Uomo”: un titolo lungo ma che riassume in poche parole significative il messaggio personale dell’artista. Le opere in esposizione sono una sequenza narrativa nella quale si possono riconoscere i temi cari a Max Hamlet Sauvage: scollacciate figure femminili che si offrono ad ibridi maschili in cui le teste di uccello o animale fanno supporre l’“animalità” appunto che si nasconde dietro l’armoniosa eleganza. \nA questo proposito lo storico dell’arte Enrico Crispolti ha commentato: “Si tratta di un mondo esplicitamente perverso\, trattato con ironia\, satira e sarcasmo\, e con il divertimento di uno spirito graffiante che condanna chi mercifica l’immagine femminile e denuncia da sempre le nevrosi sessuali individuali e collettive che oggi sono diventate gossip e cronaca politica”. \nSempre dalle sue opere si evince la critica all’opulenta società occidentale che si congiunge ad una favolistica moderna rappresentata\, alla maniera di Max Ernst\, “da uccelli che vivono borghesemente e che con l’alta borghesia condividono bisogni e desideri erotici (Giorgio Di Genova\, critico e storico dell’arte). \nMax Hamlet s’ interroga inoltre su quello che potrebbe essere il destino dell’uomo\, considerando l’irreversibile degrado della coscienza umana\, il potere delle multinazionali\, la sopraffazione crescente di alcuni stati su altri. S’interroga dunque su tutto ciò e Maurizio Nocera conclude: “Il suo sembra veramente uno zoo di figure umane che\, davanti al crollo coscienziale dell’umanità e alla violenza dei poteri\, fanno sperare in un domani di gioia orgasmica e alla trance liberatrice”. \nNon a caso l’illustre Philippe Daverio\, parlando di Max Hamlet\, lo definì “uomo pungolo” che interroga le coscienze con scomode metafore di denuncia sociale ma piene del pathos di un genius loci ironico e irridente. \nTutto questo è narrato nelle opere incluse nella presente mostra che vanta la cura delle Proff. Orsolina Fontò e Maria Cristina Maritati e la collaborazione di CittadinanzAttiva\, assemblea di Gallipoli\, e del Circolo “La Fenice”. \nMaria Cristina Maritati \nLA CASA DEGLI ARTISTI \nResidenza d’artista \nwww.lacasadegliartisti.it
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LOCATION:La Casa degli Artisti B&B\, Via Lepanto\, Gallipoli\, Lecce\, Italia
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SUMMARY:Memorie di un istante – Paola Rizzi
DESCRIPTION:Dal 24 gennaio al 29 marzo 2025 Numm Contemporary Art di Casale Monferrato (AL) ospita la mostra personale di Paola Rizzi “Memorie di un istante” a cura di Erika Lacava. Oltre 80 lavori fotografici per un excursus sugli ultimi anni di ricerca dell’artista\, dal 2018 a oggi\, selezionati con un taglio tematico sulla memoria come elemento cruciale attorno a cui si snoda il suo percorso artistico. \nLe opere\, distribuite in 9 serie di vario formato\, sono stampate su differenti tipologie di carte e supporti\, dalla carta cotone alla carta di riso\, dalla pergamena fino al cemento realizzato artigianalmente. Molti anche gli interventi di manuali che l’artista esegue sulle stampe rendendole opere uniche\, sperimentando accostamenti e contaminazioni tra fotografia e altre arti. \nTroviamo l’impiego dell’acquerello nella serie “Assonanze”\, la graffiatura a caldo nel progetto “Erase e l’inserimento delle fotografie su piccoli tomboli di legno per la serie “Diaphanes”. Le “Memorie di un istante”\, serie fotografica che dà il titolo alla mostra\, sono frammenti di paesaggi urbani o naturali che indagano il ricordo\, così come le “Scatole della memoria” e i “Fili di memoria”\, in parte realizzati\, come “Tempus fugit”\, in cemento. Non mancano i lavori di denuncia sociale e ambientale\, come “Parmae” dedicato all’isola di Palmaria\, e le “Costellazioni personali”\, reportage sull’elettrosensibilità. In esposizione anche due libri d’artista.
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LOCATION:Numm Contemporary Art\, Via Roma\, 173\, Casale Monferrato\, Alessandria\, Italia
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SUMMARY:Il Suono: Tempo\, Spazio e Materia | Maurizio Toffoletti sonorous sculptures
DESCRIPTION:Mostra personale d’arte contemporanea \nIsola di San Servolo\, 30124 Venezia (VE) \nVenice International University \n3 ottobre – 14 novembre 2024 \nIngresso libero \nCon la collaborazione di: San Servolo s.r.l. \nCon la partecipazione di: Agarte – Fucina delle Arti\, Galerie Nichido \nLa rassegna “Il Suono: Tempo\, Spazio e Materia”\, mostra personale dei lavori scultorei di Maurizio Toffoletti\, in collaborazione con la galleria “Agarte – Fucina delle Arti” e “Galerie Nichido”\, si svolgerà sull’Isola di San Servolo (Venezia) con apertura al pubblico nella giornata di venerdì 11 ottobre a partire dalle ore 16. Un ringraziamento particolare all’ambasciatore Umberto Vattari (Presidente della Venice International University). \nLa mostra d’arte contemporanea vuole esplorare la vasta produzione dello scultore Toffoletti con una selezione di opere in marmi pregiati appartenenti alla produzione degli ultimi anni del dinamico artista. “Maurizio attraversa un’evoluzione costante. Nelle sue opere riecheggiano i grandi maestri del passato\, ma il suo mondo è unico\, ricco di sfumature. Il suo percorso non è predeterminato; ogni opera è un passo verso qualcosa di nuovo” – Ambasciatore Umberto Vattani\, Presidente della Venice International Univeristy. \nLa cerimonia d’apertura si terrà sull’Isola di San Servolo venerdì 11 ottobre alle ore 16.00 (Vin d’Honneur a seguire); l’opera di Toffoletti presentata al pubblico è la maturazione d’un percorso svolto in circa 35 anni di studi sui materiali e sulla manualità d’un creativo che ha saputo sviluppare la propria carriera a cavallo tra l’Italia e la Francia. \nLa rassegna sarà liberamente visitabile al pubblico proponendo le sculture sonore ed i marmi pregiati all’interno della struttura delle Venice International Univerity.
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SUMMARY:V Biennale LeArtiPossibili
DESCRIPTION:Dal 16 al 20 Ottobre 2024 la Stecca3 di Milano ospiterà la quinta edizione della Biennale LeArtiPossibili\, un evento di rilievo nel panorama lombardo che quest’anno avrà come tema il legno\, inteso come elemento primario naturale\, e le fibre vegetali. Sarà un’edizione all’insegna della sostenibilità\, per approfondire il legame tra arte\, natura e ambiente\, ponendo attenzione alle sfide poste dal cambiamento climatico. \nL’iniziativa gode del patrocinio del Municipio 9 del Comune di Milano e di Città Metropolitana\, con la collaborazione di Stecca3\, e vedrà l’esposizione dei lavori di 107 partecipanti tra artisti/e\, creativi/e\, collettivi artistici e gruppi. Questi ultimi – atelier d’arteterapia\, strutture educative\, di cura e riabilitazione\, istituti scolastici – sono stati condotti da figure professionali che si avvalgono dello strumento artistico come mezzo d’espressione\, di relazione e di cura. \nLe opere in legno e fibre vegetali saranno le protagoniste di questa edizione della Biennale LeArtiPossibili. Il legno e i suoi derivati\, come la fibra vegetale\, sono da sempre supporto per la pittura e la scultura\, e vengono ampiamente impiegati in un vasto spettro di ricerche espressive\, dimostrando la loro versatilità e impatto nel mondo dell’arte. \n“Per LeArtiPossibili” – dice Fiorenza Giuriani\, Presidente dell’associazione\, “l’arte e la pratica artistica rivestono una funzione di crescita individuale e di evoluzione sociale. Proporre come tema dell’esposizione biennale materiali primordiali come il legno e le fibre vegetali ha messo in evidenza il forte legame tra l’arte e i temi sociali\, perché\, nelle loro diverse forme artistiche\, fanno emergere la necessità di valorizzare e proteggere il nostro mondo naturale”. \nAccogliendo le suggestioni che nascono dalle riflessioni su questo materiale\, la Biennale LeArtiPossibili presenta un programma di eventi collaterali per stimolare una riflessione critica e consapevole sull’uso responsabile delle risorse naturali\, promuovendo azioni concrete per la tutela dell’ambiente\, e per aprire un dialogo costruttivo tra artisti\, esperti del settore e pubblico. \nSabato 19 ottobre alle 15.30 nello spazio esterno adiacente alla Stecca3 si terrà la performance “L’UOMO ALBERO” di Daniele Delfino\, artista sonoro\, e Giovanna Del Grande\, artista tessile. Il progetto\, insignito del partenariato UNESCO nel 2018\, vedrà la partecipazione attiva del pubblico nella costruzione e smontaggio di una scultura di legno con scarti tessili in fibra naturale. Seguiranno le Danze in cerchio a cura di Eliane Piccardi\, un’iniziativa che nasce dalla ricchezza del folklore popolare di diverse parti del mondo per promuovere inclusione sociale\, benessere fisico e psichico e sviluppo delle connessioni personali e culturali. \nSaranno inoltre organizzate delle visite guidate di conoscenza del legno nella Falegnameria Sociale Bricheco\, con sede in Stecca3. \nLa quinta Biennale LeArtiPossibili si terrà presso Stecca3\, via De Castillia 26\, Milano\, da mercoledì 16 a domenica 20 ottobre 2024\, con i seguenti orari di apertura: 10.00-13.00\, 15.00-19.00.
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SUMMARY:Luci e Ombre: L'Eredità di Caravaggio nell'Arte Attuale
DESCRIPTION:Mostra collettiva d’arte contemporanea \nP.za della Indipendenza\, 18\, 00039 Zagarolo (RM) \nPalazzo Rospigliosi \n20 settembre – 4 ottobre 2024 \nIngresso gratuito \nOrganizzata da: Divulgarti \nA cura di: Loredana Trestin \nAss. curatore: Maria Cristina Bianchi \nSelezionatori: Ludovica Dagna\, Giulia Lanza\, Chiara Quintavalla e Marta Zugarelli \nResp. Organizzazione: Valentina Maggiolo \nCon la collaborazione di: Alessandro Giansanti & Agarte – Fucina delle Arti \nCol patrocinio del: Comune di Zagarolo\, Palazzo Rospigliosi e Museo del Giocattolo di Zagarolo \nLa rassegna “Luci e Ombre: L’Eredità di Caravaggio nell’Arte Attuale” si svolgerà all’interno dei locali del Palazzo Rospigliosi di Zagarolo\, importante dimora storica del Lazio portando il patrocinio del Comune di Zagarolo. L’esposizione collettiva d’artisti contemporanei è  organizzata da Divulgarti\, curata da Loredana Trestin con l’assistenza di Maria Cristina Bianchi come assistente curatore\, con la direzione organizzativa di Valentina Maggiolo ed in collaborazione con Alessandro Giansanti ed Agarte – Fucina delle Arti. \nComunicato: \nLa mostra d’arte contemporanea vuole esplorare l’influenza duratura di Caravaggio sull’arte odierna in un dialogo tra passato e presente ispirato da una riflessione collettiva sulla luce e l’ombra nell’arte contemporanea\, proponendo nuove interpretazioni che dialogano con l’eredità artistica di Caravaggio tra le affrescate sale dell’antica location; inizialmente costruita come fortilizio difensivo nel Mille dalla famiglia Colonna\, Palazzo Rospigliosi è stato più volte distrutto e ricostruito\, trovando il suo massimo splendore durante il ducato di Pompeo Colonna\, figura chiave nella Battaglia di Lepanto del 1571. Oggi\, la parte più antica del palazzo ospita la mostra\, un edificio che ha accolto tra i suoi illustri frequentatori anche Michelangelo Merisi\, noto come Caravaggio. \nLe opere esposte riflettono l’influenza del rivoluzionario uso della luce e delle ombre di Caravaggio\, un’icona artistica il cui stile continua a ispirare artisti contemporanei. Attraverso questa esposizione\, artisti provenienti da tutto il mondo reinterpretano il realismo e il simbolismo caratteristici del maestro seicentesco: crèche\, Paola Bettello\, Ekaterina Chorina\, Jayne Cooper\, Antonella Iris De Pascale\, Isabella Diana\, Erimell\, Fede_92\, Anna Ferrari\, Mihaela Georgieva\, Yaneth Gonzalez\, Violeta Hristova\, Andrea Kraus\, Madmuseum\, Snjezana Mayer\, Nox\, Maurizio Pittarella\, Reddy\, Louis Rodiger\, Stein Smaaskjaer. La mostra con patrocinio del Comune di Zagarolo aprirà con vernissage venerdì 20 settembre dalle ore 18 fino alle ore 20 e proseguirà tutti i giorni della settimana escluso i lunedì con chiusura venerdì 4 ottobre 2024 dalle ore 18 fino alle ore 20.  \nLa rassegna sarà liberamente visitabile (Ingresso gratuito) nei seguenti orari: mar 9-13 / 15-18\, mer e gio 9-13\, ven 9-13 / 15-18\, sab e dom 10-13 / 15-18. Per maggiori informazioni: Maria Cristina Bianchi (Assistant Curator)\, segnalatrice d’arte Divulgarti di Loredana Trestin\, Sito web: www.divulgarti.org Cell: +39 3474559985\, Email: selezioni@divulgarti.org o eventi@divulgarti.org Instagram: @maria_cristina_bianchi\, @divulgarti_group\, Facebook: Divulgarti.
URL:https://staging.inagenda.it/evento/luci-e-ombre-leredita-di-caravaggio-nellarte-attuale/
LOCATION:Zagarolo\, Zagarolo\, Roma\, Italia
CATEGORIES:Mostre
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